Bienvenido a Nunca Jamás

Hacía ya mucho tiempo que no dábamos un nuevo empujón a la sección de guitarristas y ya era hora de solucionar esto. Así que vayamos con uno de los más versátiles, queridos y modestos músicos del panorama guitarrero mundial, el genial Eric Johnson.

La primera vez que oí hablar de él, fue cuando Paulino me recomendó ese tremendo disco, ya mencionado varias veces en esta sección, llamado “G3 tour”, en el que Steve Vai, Joe Satriani y el citado Eric Johnson ofrecían uno de los conciertos más antológicos jamas organizados en el mundo del rock instrumental. Así como Vai y Satriani salían al escenario y se ganaban al público a base de desparpajo y carisma, Eric Johnson se presentaba ante el auditorio casi de puntillas, como sin querer ser visto. Unos enormes cascos le ayudaban a sacar un sonido melódico y rápido a su guitarra y lo que escuché en aquel concierto me sonaba a nuevo.

Eric Johnson nació en Austin (Texas) allá por 1954 y enseguida se dio cuenta de que la guitarra era lo suyo. Empezó su carrera profesional a los 16 años pero su salto cualitativo se produjo cuando participó en el programa de televisión “Austin City Limits” y tuvo como espectador de excepción a Prince, que se quedó sorprendido con el talento del chaval y lo recomendó a su compañía de discos. Así vio la luz su primer album, “Tones”, y recibió un gramy a la mejor canción instrumental por el tema “Zap”.

Pero fue su segundo album el que considero su obra maestra, el increíble “Ah! Via musicom”, un disco plagado de buenísimas canciones que le confirió el mérito de ser el primer artista que tuvo tres temas instrumentales dentro del top 10.

Johnson es capaz de fusionar estilos como muy poca gente lo ha conseguido dentro del mundo del rock. Blues, rock, folk, jazz, country… nada se le escapa a este tímido genio, compositor de algunas de las más grandes canciones que ha dado la guitarra.

Haciendo una excepción, esta vez voy a dejar dos vídeos: uno cortito para los perezosos, de su canción “Song for George”, un tremendo tema interpretado a guitarra acústica. La otra es “Cliffs of dover”, una proeza de velocidad con una primera parte de improvisación. Para el que se canse (que yo comprendo que la improvisación a pelo puede resultar complicada a oídos no acostumbrados), la canción de verdad empieza aproximadamente a los 2 minutos.

Sin más dilación, aquí os dejo al gran Eric Johnson.

Esta semana casi no tengo vida entre el trabajo (que raro suena esto dicho por mí) y el proyecto, pero aún así hago un sacrificio por los lectores (no es verdad, es por mi enorme ego) y traigo una nueva entrega de la serie de guitarristas donde, esta vez, dejamos de lado el virtuosismo de las últimas entregas, por ese "algo" que muchos buscan y pocos encuentran. Esa quimera incorpórea que se ha denominado alma, blues, feeling o ángel. El músico del que hablo es uno de los grandes exponentes del blues americano. Un artista convertido en leyenda por causa (como muchas otras veces) de una genialidad fuera de lo común, de una vida repleta de altibajos y una muerte temprana.

Stevie Ray Vaughan nació el 3 de Octubre de 1954 en Dallas, Texas cogiendo una guitarra de juguete por primera vez a los 10 años de edad y formando su primera banda en el instituto con 17 años. Su gran salto se produce cuando el gran David Bowie le escucha tocar y le invita a colaborar en su disco "Let's dance" y a continuación James Brown le cede su estudio de grabación para grabar su álbum "Texas flood", una maravilla nominada a tres premios Grammy: mejor artista revelación, mejor guitarrista y mejor disco.

Dos años más tarde, en 1984, Stevie Ray gana su primer Grammy como mejor disco de blues por su álbum "Couldn't stand the weather" pero por esta época, tras la muerte de su padre, se deja arrastrar en una caída sin sentido de la mano del alcohol y las drogas. Graves dolores lo llevan al médico que le diagnostica una grave úlcera de estómago producida por la mezcla de cocaína y whisky con lo que tiene que cancelar la mayor parte de su gira por Europa para entrar en una clínica de desintoxicación.

En los años siguientes, Vaughan consigue rehabilitarse y volver con gran éxito al mundo de la música y el blues. Sin embargo en 1990, mientras estaba inmerso en una gira con Robert Cray, Buddy Guy y Eric Clapton, un helicóptero que había cogido junto con algunos músicos de la banda de Clapton se estrella en una medianoche inundada por una densa niebla. Nadie sobrevive a aquel accidente.

Como suele pasar en estos casos, un buen puñado de discos repletos de auténtico blues y grandísimos solos de guitarra, permanecerán para siempre consagrando a este genio como uno de los grandes del instrumento. “Texas flood”, canción que da nombre a su primer álbum, es un gran ejemplo de lo que Vaughan era capaz de hacer. Grandes y poderosos solos unidos a una voz desgarradora propia de un verdadero bluesman.

Nueva remesa de locos de la guitarra, esta vez con un músico alabado y criticado a partes iguales, uno de los tipos que he visto con más velocidad en sus dedos y creador de un nuevo subgénero dentro del heavy metal: el metal neoclásico. Hablamos del sueco loco, Yngwie Malmsteen.

Lars Johann Yngwie Lannerback nació en Estocolmo allá por 1963 y se dedicó en sus años infantiles a meterse en líos, intentar saltarse las clases y meterse en toda clase de peleas hasta que vio por la tele un reportaje donde hacían un repaso por la vida de Jimmy Hendrix (otra vez él) con motivo de la muerte del ídolo de las seis cuerdas en el año 1970. Moría un genio y nacía, artísticamente hablando, otro.

A partir de entonces Yngwie se dedicó en cuerpo y alma a intentar ser el mejor guitarrista que jamás hubiese pisado la faz del planeta y se empapó de la música de los grandes referentes como Deep Purple. Además su interés por la música clásica le llevó a escuchar atentamente a grandes genios como Bach, Beethoven, Vivaldi o Mozart intentando imitar sus composiciones con la guitarra eléctrica.

A los 18 fue llamado a filas y cuenta la leyenda que apareció en el cuartel de turno como un poseso, apuntándose con un arma a la cabeza y gritando que prefería estar muerto antes que entrar en el ejército. Parece que esto convenció a los jerifaltes de la milicia sueca y le dejaron irse por donde había venido.

Cuando se dio cuenta de que su país natal se le quedaba pequeño, hizo las maletas y cruzó el charco hacia Usamérica donde se unió a bandas como Steeler y Alcatrazz, donde pasó a ser el centro del grupo. La gente iba a los conciertos a admirar sus increíbles y rápidos solos de guitarra llegando a eclipsar a los otros miembros del grupo. Cuando Malmsteen dejó Alcatrazz iniciando su carrera en solitario, fue reemplazado por el mismísimo Steve Vai (de quien ya hemos hablado aquí) que llegó a comentar que la gente seguía queriendo ver a Yngwie y que él no podía competir con su velocidad y virtuosismo.

Después de sacar un par de discos en solitario, Malmsteen tuvo un grave accidente cuando su Jaguar se estampanó contra un arbol, produciéndole un coágulo en el cerebro y dejando dañados los músculos de su mano derecha. Entonces inició una larga y dolorosa terapia jugándose su carrera musical. Para colmo, por esas fechas muere su madre y un manager cabrón (como muchos) le deja en la ruina.

Por suerte se recupera de todo esto y años más tarde consigue hacer realidad su sueño de grabar un disco de música clásica para guitarra eléctrica compuesto enteramente por él con la orquesta filarmónica de Chequia, confeccionando uno de los mejore discos de guitarra que he escuchado, el “Concerto suite for electric guitar and orquestra in Eb minor, Op. 1”. Este lp, junto con “Rising force”, su primer trabajo en solitario, son dos verdaderas obras de arte.

A pesar de su virtuosismo, su gusto para fusionar el metal con la música clásica y sus barrocas melodías Malmsteen tiene un gran pero que hace que sus canciones puedan sonar repetitivas. Efectivamente es uno de los guitarristas más rápidos del mundo, pero abusa demasiado de las escalas que al final acaban sonando siempre de forma parecida. Por este motivo tiene detrás una legión de detractores casi tan grande como sus admiradores. De todas formas hay temas que son verdaderas piezas maestras, que permanecerán en el tiempo como ejemplo de belleza y genialidad.

El vídeo que incluyo está elegido por ser algo muy raro de ver dentro del mundo de la guitarra eléctrica y yo diría que imposible en otro músico dentro del campo del Heavy Metal. Apartándome de la imagen salvaje y rockera que exhibe en sus conciertos, podemos admirar como suena uno de sus temas (concebido dentro del metal, no del concierto sinfónico antes mencionado) arropado por la filarmónica de Japón. En los primeros minutos versiona de forma increíble el Adagio de Albinoni para pasar luego a interpretar uno de sus canciones más conocidas: Far beyond the sun. A ver quien es capaz de seguir sus dedos con la vista…

Retomamos aquí la sección más esperada por Masé, la de mis guitarras preferidas. Un repaso por aquellos guitarristas y aquellos solos de las seis cuerdas que han conseguido convertirme en un fiel admirador de este instrumento.

En este caso os traigo un tema muy apropiado por su título, en estas fechas en las que estamos todos pensando en esas vacaciones que pierden su color en la gris monotonía, compuesta por un tipo que me enseñó que un disco instrumental de guitarra no tiene por que ser aburrido. El genio que se hace cargo de esta canción es el maestro de maestros, “Satch”, Joe Satriani.

Joe Satriani nació el 15 de julio de 1956 en Westbury, Nueva York y como muchos otros se decidió a intentar dominar el arte de la guitarra tras escuchar a Jimi Hendrix (no se por qué yo no acabo de cogerle el punto al que se supone Dios Todopoderoso de la guitarra eléctrica). Durante los 70 Satriani se mudó a Berkeley, California persiguiendo una carrera como músico y con el tiempo se fue empapando de músicos como Allan Holdsworth y Lennie Tristano.

Más tarde comenzaría a dar clases en una de las escuelas musicales más famosas del mundo, la “Berkley college of music”, donde es reconocido como un gran profesor de guitarra, entre cuyos alumnos se incluyen Steve Vai, David Bryson (Counting Crows), Kirk Hammett (Metallica), Larry LaLonde (Primus, ex-Possessed), Charlie Hunter, Kevin Cadogen (Third Eye Blind), Alex Scolnick (Testament) o el ex-Megadeth Marty Friedman, entre otros. Cuando su gran amigo y antiguo alumno Steve Vai alcanzó la fama tocando con David Lee Roth en 1986, éste alabó a Satriani en multitud de entrevistas a revistas de guitarra.
En Octubre de 1987 Satriani edita su segundo disco, titulado "Surfing with the alien" considerado uno de los 5 mejores álbumes de guitarra instrumental del rock y uno de mis álbumes de cabecera, quizá el responsable de que mis gustos empezaran a adentrarse en el mundo de la guitarra instrumental. “Surfing with the alien”, con su portada basada en el comic de Silver Surfer (Estrella plateada) es un disco repleto de obras maestras, con títulos como "Always with me, always with you", "Midnight" o “Summer song”, la que hoy os presento.

En 1996 Satriani lleva a cabo una gira de conciertos de los que saldría a la luz otro de los álbumes míticos de la guitarra. Tal evento se denominó posteriormente como el "Tour de la década", pero el nombre real del proyecto, que se sucedería (y sigue sucediéndose) a partir de entonces periódicamente, era el G3. En él, Satriani se juntaba con Steve Vai y otro gran guitarrista del momento, en su primera edición con el increíble Eric Johnson, y se dedicaban a recorrer juntos el planeta ofreciendo un espectáculo sin precedentes.

Satriani se ha distinguido de sus contemporáneos de la guitarra por su técnica increíblemente depurada, tachado algunas veces de frío o excesivamente técnico. No creo que esto sea del todo justo, pues no siempre hace gala de su tremenda velocidad (como Yngwie Malmsteen que prácticamente solo se basa en eso), ni todos sus temas son de una técnica complicada. Es un tipo que se dedica a mezclar todos los estilos que le entran por los tímpanos y creador de canciones tremendamente melódicas.

Pero dejémonos ya de rollos y vayamos a lo que realmente interesa. Con todos ustedes, Joe Satriani interpretando “Summer song”.

Después de unos días muy atareado con el proyecto, el cual ha dado un salto cualitativo importante (espero que haya tomado carrerilla) volvemos a la acción con un nuevo suplemento del mundo de la guitarra. Como hay gente que se yo que lee el primer párrafo para ver de que va la cosa y pasa del resto (muy comprensiblemente, que suelo ser un pesado) voy a decir rápido que esta vez el clip va dedicado a Marti ya que esta canción siempre me recordará a ella y a momentos geniales que vivimos el año pasado en Madrid. Al final “Layla” se convirtió en una especie de grito de guerra e inevitablemente continuará siendo así desde entonces en adelante. Así que, Marti, la próxima vez que veas al profesor de Derecho Tributario, le espetas a la cara: “Layyyylaaaaaaaaaaaaaaaaa”, y punto.

El genio creador de esta increíble canción es quizá uno de los guitarristas más famosos del mundo. Un superviviente del mundo del rock and roll y del blues, con discos antológicos, con momentos apoteósicos y descensos a los infiernos jalonando su carrera que han incrementado su leyenda. Es el creador de “Tears in heaven” o “Wonderful tonight” o de increíbles versiones de “Cocaine” o “I shot the sheriff”. Estamos hablando del inimitable “Slowhand”, Eric Clapton.

Clapton nació en Londres en 1945 y empezó a abrirse camino en el mundo de la música londinense en el momento en que dejó los estudios de Bellas Artes para incorporarse a la banda de Rythm & Blues “The roosters” en 1963. Siete años más tarde, cuando comienza su carrera en solitario con un disco homónimo ya era reconocido como uno de los mejores guitarristas del mundo tras su paso por grupos míticos como “The Yardbirs” (cuyo representante acuñó el apodo “Slowhand” en irónica referencia a su velocidad con la guitarra), “John Mayall’s bluesbreakers”, “Cream”, “Blind faith” y “Derek and the Dominoes”.

Sin embargo después de este punto aparece uno de esos puntos negros de lo que hablaba antes, ya que su adicción a la heroína le mantiene apartado de la música durante dos años llegando incluso a vender parte de sus guitarras para conseguir sus dosis. Cuando se encontraba al borde de la muerte surgieron varios músicos en apoyo de Clapton, en especial Pete Towsend, lider de “The who”, que organizó para él el mítico concierto “Eric Clapton at the rainbow”. Al fin, vence su lucha contra la droga y reaparece con un cambio de sonido y un disco mítico que demostraría que aún tenía mucho que contar en el mundo de la guitarra: “461 Ocean Boulevard” (el cual estoy escuchando mientras escribo este artículo).

En 1991 una nueva desgracia, su hijo de cuatro años fallece a raíz de una caída. Sacando fuerzas de flaqueza compone una de las canciones más emotivas y bellas que han salido de las cuerdas de una guitarra, “Tears in heaven”. Evidentemente fue un éxito desmesurado. Un año más tarde graba su disco “Unplugged”, una verdadera obra de arte y su álbum más vendido, donde destacaban tanto la canción que acabo de mencionar como una preciosa versión acústica de la que da nombre al post.

Desde entonces hasta ahora nuevos discos, nuevas colaboraciones y nuevas giras siguen engrandeciendo la fama y el talento de este Dios de la guitarra, como proclamaba un famoso graffiti aparecido en las calles de Londres en los años 60: “Eric Clapton is God”.

P.D. Si nos fijamos en el vídeo vemos a un tipo en segundo plano tocando también la guitarra. ¿Lo reconocemos? ¡Pero si es otra vez nuestro amigo Mark Knopffler! Este tío está en todos lados.

Vamos con otro vídeo guitarrero y otro virtuoso de las 6 cuerdas (o más ya que ha diseñado eléctricas con siete cuerdas o tres mástiles), esta vez dedicado al tipo con más talento musical al oeste del río Tuela, el único capaz de desentrañar un solo de Brian May en una noche de botellón pero incapaz de tocar los típicos temas de campamento para que la peña se desgañite (según él). El único Críspulo de Castrelos, también conocido por Pepe o el Paulino.

El artista al que hoy hago mención no es otro que Steve Vai, uno de los dioses de la guitarra del mundo moderno, aclamado como el Paganini del rock. Uno de los compositores más atrevidos y revolucionarios, buscador incansable de nuevos sonidos, diseñador de nuevas guitarras o efectos y poseedor una técnica prodigiosa.

Nació en Nueva York en 1960 y empezó tomando clases de su gran amigo Joe Satriani (con el que luego organizaría las magníficas giras de conciertos denominadas G3, cada año junto con un guitarrista invitado distinto), para continuar su formación musical estudiando música clásica y jazz en la Berklee School of Music de Boston.

Fue integrante de la banda de Frank Zappa con tan solo 20 años, de Alcatrazz (llenando el hueco dejado por Yngwie Malmsteen), de la banda de David Lee Rooth (ex cantante de Van Halen) o de Whitesnake, para luego dedicarse a sacar álbumes en solitario, sin dejar nunca de colaborar en multitud de discos de otros artistas.

En el que es mi álbum preferido, el disco de tan solo 7 temas titulado “Alien love secrets” podemos encontrar la canción que titula este post. Un tema que demuestra muchos de los rasgos que definen a Vai, una velocidad asombrosa, una pureza increíble en los sonidos que consigue, una teatralización de la canción que consigue dotar de espectáculo sus actuaciones y la capacidad de mezclar varios estilos y sonidos en una misma canción.

En fin, intentar explicar una canción en términos racionales es casi imposible. Así que aquí os dejo a este genio haciendo de las suyas con un temazo como la copa de un pino.

Vayamos con el segundo capítulo de la saga abierta hace unos días sobre el mundo de la guitarra. He de decir antes que nada, que esto no pretende ser una lista de los mejores solos, ni de los mejores artistas, ni de nada parecido. No pretendo valorar unos por encima de otros y seguramente los aficionados a la música echarán en falta grandes guitarras que tendrían que haber estado o por el contrario se preguntarán como pueden aparecer ciertas otras. Como todo, esto es algo totalmente subjetivo y lo que irá apareciendo en esta sección se debe a mis limitados conocimientos musicales y a mis dudosos gustos.

Hoy le toca el turno a un músico tan idolatrado en ciertos ambientes como denostado en otros y a un tema que posee una gran carga sentimental para mí. Dicen que toda pareja tiene una canción que considera suya, cuyas notas traen a la mente bajo cualquier circunstancia un solo rostro. Yo tengo la suerte de compartir esta poderosa balada con influencias del blues con Magú y la verdad es que no tengo mucha idea de por qué ha llegado a ocupar tal honor. El primer regalo que le hice, antes aún de que saliéramos, fue una serie de recopilaciones musicales (ya sé que no soy nada original) y en uno de los discos venía este conocido tema, con uno de los solos de guitarra más inspirados y sentidos que se han escrito.

El portento que dio a luz esta melodía es Gary Moore, un gran guitarrista capaz de abarcar un sinfín de estilos, desde el Heavy metal en el que empezó, pasando por el Blues, el Jazz o la música celta.

Aunque es indiscutible que es un genio de las seis cuerdas, Moore es un tipo al que no pueden ni ver los puristas del Blues, ya que le achacan haberse subido al carro de este mundo en un momento en el que el Jazz gozaba de gran popularidad, desvirtuando el género con su guitarra distorsionada y a todo volumen, así como de haber conseguido grabar algunos temas con grandes leyendas como B.B. King o Albert King a golpe de talonario.

Sea como fuere, lo que no se le puede negar es una gran carrera jalonada de un montón de éxitos. Desde la creación de su primer grupo importante con 16 años, Skid Row, pasando por ser uno de los guitarristas de Thin Lizzy o su participación en el grupo G-Force hasta su carrera en solitario, este artista de Belfast nos ha dejado un buen puñado de canciones para el recuerdo. “Parisienne walkways”, “Empty rooms”, “After the war” o “Picture of the moon” son algunos de los ejemplos, pero hay muchas más.

Yo me quedo con este clásico moderno y aprovecho para desear a la abogada más hermosa que he visto nunca (seguida a una distancia prudencial por Portia de Rossi en Ally McBeal), con tres días de adelanto, un feliz enrollaniversario.

Una de mis pasiones es el placer de escuchar una guitarra eléctrica bien tañida. Es impresionante la gama de sonidos que se puede sacar de un trasto con seis cuerdas conectado a la corriente. Las evoluciones que ha sufrido su técnica desde Chuck Berry, pasando por Jimmy Hendrix, Jimmy Page, Eddie Van Halen, Eric Clapton, Joe Satriani o Ingwie Malmsteen. Un solo de guitarra puede llevar a la tristeza más absoluta o a la locura desenfrenada. Puede ser tocado con velocidad y virtuosismo o lenta y sentidamente. Puede sonar de forma metálica, o distorsionada, o dulce… tantas guitarras distintas, tantas cuerdas, tantas manos hacen que podamos reconocer a un guitarrista tan solo escuchando un par de acordes.

Así que comenzaré una serie (últimamente me da por empezar monográficos de toda índole) sobre guitarristas o canciones o solos o que se yo (iremos improvisando por el camino) que me provocan algo, que remueven las tripas de tal manera que merecen ser mencionadas.

En primer lugar empezaré con uno de los solos de guitarra más largos y elaborados que conozco. El “Sultans of swing” que Dire Straits interpretó en su concierto conocido como “Alchemy” es una verdadera pasada. En realidad el concierto en sí es uno de los mejores directos que he escuchado y ocupa un lugar destacado en mi discografía. La forma de pulsar las cuerdas de Mark Knopfler es totalmente reconocible y en esta canción en concreto despliega las bazas más importantes de su técnica, un sonido limpio y melódico, unos punteos rápidos y claros y una gran sensibilidad en su mano derecha, tocando las cuerdas siempre con los dedos y nunca con una púa.

El amor que Knopfler siente por el blues y el Folk se refleja en temas como “Romeo and Juliet” o en el épico tema “Private investigations”, y con el grupo ha conseguido ventas millonarias (“Brothers in arms” fue uno de los discos que vendieron más copias en la década de los 80). Pero al músico le ha dado tiempo a meterse en otras aventuras, como la composición de bandas sonoras de películas como “Un tipo genial” o “La princesa prometida”, o producciones de discos para Bob Dylan o Randy Newman o incluso algún álbum a dúo como el que tiene con el guitarrista country Chet Atkins: “Neck and neck”.

Ahora mismo desarrolla su carrera en solitario, en una vuelta hacia sus orígenes musicales en títulos que, para mi gusto, dejan un poco de lado su técnica guitarrística, para centrarse en un sonido más básico enmarcado en su ronca y suave voz. Ojalá podamos ver de nuevo a una banda tan completa como lo fue “Dire Straits” y podamos disfrutar de un directo como este.

Voy a dedicar este primer post de la saga guitarrera a la bella Topanga, que ahora está algo estresada con los exámenes de guitarra en el conservatorio. Dudo que se pase por aquí, pero de todas maneras, el tema va que ni pintado para dedicárselo. Ánimo chiquilla!!