Bienvenido a Nunca Jamás

Introducirse en el mundo de Hayao Miyazaki es entrar en un universo paralelo donde lo extraño parece habitual, la magia se conjuga con lo artesanal, lo moderno se torna antiguo y al revés. Su imaginación parece no tener límites y sus historias nunca son lineales ni previsibles, sino sendas sinuosas donde tras cada recodo podemos encontrar nuevos pedacitos de territorio inexplorado. Alguien dijo alguna vez que el cerebro humano no era capaz de imaginar nada que no fuera mezcla o parte de algo que ya hubiese visto, pero esa regla no se cumple con el maestro de la animación nipona.

Intentar explicar, en pocas palabras, una historia de Miyazaki, es una tarea perdida. Sus cuentos se doblan y desdoblan en miles de pliegues, sus personajes evolucionan y se transforman y la acción se va moviendo de un lado a otro sin previo aviso. No hay buenos ni malos, ni MacGuffins que valgan. Todo es un canto a la libertad creativa, las moralejas se superponen y se destruyen entre ellas y al final, lo que queda, es la sensación de haber asistido a un nuevo e irrepetible cuento arropado por las sábanas de la imaginación del genio japonés.

En su última película, Hayao Miyazaki cuenta la historia de Sophie, una niña que tras una extraña maldición, se convierte en una anciana. Lejos de rendirse, Sophie coge el toro por los cuernos y se marcha en busca de ayuda, encontrando al mago Howl y su castillo ambulante.

A bordo de dicho castillo se topará con los más variopintos personajes, magos enfrentados de alucinantes poderes, tratará de huir de una cruenta y absurda guerra, se hará amiga de un elegante y silencioso espantapájaros y se encontrará con demonios milenarios.

Todo en el argumento parece concebido con el más cuidadoso mimo y mientras el azar guía las andanzas de los personajes, en realidad el espectador tiene la sensación de ser llevado de la mano con cuidado por un camino perfectamente definido. Lo que al principio parece un gigantesco y adorable caos acaba encajando de forma perfecta a medida que los personajes van aprendiendo, descubriendo sus emociones y evolucionando.

Miyazaki es el extremo opuesto a la linealidad y el esquematismo de Disney, aunque compartan ciertos valores universales. Quizá las enseñanzas traten de ser semejantes, pero los métodos escogidos no llegan nunca a cruzarse. Nada en “El castillo ambulante” pretende adoctrinar mediante discursos directos, sino que la metáfora se esconde entre la colorida y atrayente maleza de la narración.

Pocos directores me provocan las sensaciones que me provoca Miyazaki. No logro entender del todo sus películas, pero es algo que ni siquiera intento. No puedo por más que quedarme hipnotizado con sus dibujos, con sus historias, con su extraño y oriental sentido del humor.

Soy consciente de que no es un sentimiento generalizado, pues hay a quién estos argumentos pueden resultarle tediosos y confusos, pues la velocidad no es una de las cualidades del japonés. Sin embargo, quien sepa disfrutar de sus largometrajes como de una buena comida, masticando despacio y saboreando todos los matices, que se mezclan con armonía, se llevará consigo un pedacito de la sabiduría y buen hacer del enorme Hadao Miyazaki y podrá viajar plácidamente durante un rato en, como canta mi paisano Iván ferreiro, “una escena del viaje de Chihiro, con el Sincara dentro del vagón”.

Hemos esperado hasta las últimas semanas en la que la nueva obra de Tricicle estaba en cartel, pero al final, nos hemos decidido a acercarnos al teatro Gran Vía para admirar la tremenda imaginación de este trío catalán.

Recuerdo que descubrí a Tricicle en la televisión. Fue hace un porrón de años cuando, por La 2, pusieron unas cuantas de sus obras. Creo recordar que fue “Terrific” la primera que vi y recuerdo encadenar carcajada tras carcajada con las andanzas de sus personajes a través de su particular casa del terror.

Por el escenario empezaban a circular tipos de toda índole. El gracioso, el asustadizo, el sensato, una pareja madura, un par de adolescentes rebeldes y unos monstruos descacharrantes conformaban una de las obras más graciosas que recuerdo en un teatro.

No pasó mucho tiempo hasta que me puse a buscar el resto de sus actuaciones. “Exit”, “Slastic”, “Entretrés”… todas hacían gala de ese humor visual e inteligente que había descubierto en la primera. Tricicle pasaba a formar parte de mi sentido del humor de una manera natural.

Por fin, hace dos años, tuve la oportunidad de verlos en directo. Presentaban en la capital “Sit, o los increíbles hombres silla”. Si en la pantalla de televisión las risas eran constantes, verlos en directo suponía no poder parar. El público inundaba de carcajadas larguísimas el teatro y había veces que costaba contener los espasmos para atender al siguiente gag.

Cuando me enteré de que este año presentaban una nueva función, no dudé que acabaría volviéndolos a ver. El sábado, finalmente, fue el día elegido.

Con un decorado de lo más minimalista, Tricicle desgrana un descacharrante tratado sobre la risa, basándose en David Garrick, un escritor, actor y humorista del siglo XVIII que se hizo famoso por su teoría de tratar los males del ser humano mediante la risa.

Con esta excusa, el trío se luce en un buen número de sketches, en los cuales dan rienda suelta a su comicidad, histrionismo e imaginación.

Dos médicos en un ascensor estropeado, tres hombres embarazados, un mirón aguándole el día a un pintor, un cuento infantil inundado de efectos sonoros, un fakir con pocas ganas de pasar dolor, un enfermo muy imaginativo o una historia gráfica encima del escenario quedarán para siempre en mi memoria como un ejemplo de provocar la risa de una manera única.

A todo aquel que aún desconozca a estos tres genios quitapenas: Paco Mir, Carles Sans y Joan Gracia, les recomiendo una buena sesión de risoterapia con su nueva obra y, como no, a descubrir el resto de su hilarante currículo.

Cuando íbamos al colegio, el cine se vivía de otra manera. Bastaba con que te pusieran delante a un tipo duro pegando tiros, una banda sonora que elevara el nivel de las imágenes y un par de secuencias de videoclip, para que un personaje se convirtiera en un icono y en semanas de conversaciones sesudas de recreo sobre lo que molaría ser uno de aquellos tipos duros. Si encima el personaje cuajaba y salían un par de secuelas, tenías un arquetipo de héroe asentado en la memoria por el resto de tus días.

Uno, afortunadamente, va evolucionando y, aunque recuerda con cariño ciertas figuras de su infancia, algunas van perdiendo nitidez en la foto. Si uno repasa aquellas películas que de canijo hacían que te construyeras un fuerte inexpugnable detrás de los sofás utilizando todos los cojines de la casa, hay algunas que resultan ahora infumables (no quiero ni recordar lo mala que fue aquella serie llamada “El guerrero americano”, con Michael Dudikoff y lo enganchado que estaba a sus secuelas).

Sin embargo hay otras películas de acción que aguantan el paso de los años. Ahí están los casos de “Depredador”, “La jungla de cristal”, “Kickboxer” (aunque solo la primera de ellas), o la que nos trae hoy a toda esta disertación, los traumas del ex boina verde John Rambo.

La primera de las películas nos traía un argumento que quizá tenía más de denuncia de la guerra que de acción sin sentido, con un traumatizado ex combatiente que traía en jaque a una pequeña comunidad. Paradójicamente, las dos siguientes secuelas, parecían una apología de la guerra en una trama de acción vertiginosa muy lograda, en la que la figura de Rambo se elevaba hacia la categoría de superhéroe y que nos trajo secuencias antológicas como aquellas flechas explosivas tan increíbles o su colegueo con los por entonces bravos y heróicos guerreros talibanes.

Para el resurgir de la saga, quizá Sylvester Stallone quiso mezclar la denuncia de aquel primer título con la acción sin límites de las dos siguientes secuelas y, como suele pasar en estos casos, el producto se queda un poco en tierra de nadie, sin definirse enteramente en ninguna de las propuestas y, por lo tanto, dejando algo insatisfechos a ambos tipos de público.

Cuando finalizó la proyección, el poso que me dejó no me lo esperaba. Yo creía que me iba a encontrar con el mazas de Rambo repartiendo estopa a diestro y siniestro durante toda la película y, por el contrario, “John Rambo” tiene una introducción a los acontecimientos que se extiende hasta la mitad del metraje, en la que se tratan de mostrar los sentimientos y los traumas del ex militar, que vive pacíficamente en Birmania (hay que ver el ojo que tiene el tipo para elegir destinos turísticos asolados por dramas de lo más sangriento).

Para cuando empieza el reparto de pasaportes rumbo al infierno, quizá estaríamos dispuestos a continuar explorando la psique de Rambo, aunque fuera a base de diálogos más bien flojos y pretendidas respuestas inteligentes llenas del vacío más absoluto, pero damos la bienvenida a la acción pura y dura y nos arrepantigamos en la butaca a la espera de la carnaza.

Efectivamente, Stallone no defrauda a la hora de mostrar salvajadas filmadas a ritmo trepidante. El gore se adueña de la pantalla y nos ofrece cabezas reventadas, sangre por litros y diversas formas de despedazar adversarios, pero toda esta acción se condensa en apenas un cuarto de hora, con lo que nos deja con el sabor de boca de que, a pesar de haberse cargado a todo un ejército, Rambo se ha vuelto un poco descafeinado.

¿Quién me iba a decir a mí, que iba a salir de esta película con la sensación de no haber visto demasiada acción? De momento, en el ranking de abuelos inadaptados, John McClane le gana la batalla por goleada al otro John, el melenudo, el del labio torcido: John Rambo.

Me cuesta horrores hacer esta crítica. Llevaba esperando “Sweeney Todd” desde la primera vez que oí el rumor de que mi director fetiche iba a llevar la historia del sangriento barbero al cine, así que las expectativas por mi parte eran muy altas. En toda la carrera de Burton tan sólo había considerado que había metido el zueco en dos ocasiones. La primera con la insoportable “La gran aventura de Pee-Wee”, su primer largometraje al servicio de un excesivo personaje de la TV usamericana. La segunda, con “El planeta de los simios”, una producción de encargo que intentaba rematar de forma distinta una película con uno de los finales más redondos de la historia del cine. Ambos, filmes poco tenían que ver con la imaginería propia del director.

Esta vez, el tema le iba al pelo. Un inocente barbero es encarcelado injustamente por un despiadado juez para poder arrebatarle a su mujer y a su hija. Cuando el protagonista regresa a Londres al cabo de los años, descubre que su mujer ha muerto y su hija se halla prisionera del magistrado. A partir de ahí tramará una venganza contra el juez, y por extensión, contra el género humano, junto con una repostera que está enamorada de él y le ayudará a deshacerse de los cadáveres elaborando unas sanguinarias empanadas.

La historia se narra a través de las canciones del musical, en un Londres oscuro, donde sólo los flashbacks que muestran la alegría de Sweeney Todd antes de ser encarcelado y la cuantiosa sangre que mana de sus víctimas, ponen la nota de color en una fotografía estupenda. Esta oscuridad, unida a un excelente diseño de producción y de vestuario otorgan a la película un ambiente muy logrado, sin embargo, prácticamente es ahí donde acaban las bonanzas de la cinta.

La historia apenas cuenta nada, es lenta y repetitiva, como si fuera una sola idea general la que Burton tuviera en la cabeza y no fuese capaz de desarrollarla. No conozco el musical original, aunque he leído que permanece bastante fiel al mismo, sin embargo, el teatro y el cine transmiten sensaciones de forma muy diferente y, desde luego, tal como está contada la película, no logra transmitir ni una sola emoción.

Por si la historia central no bastase para ralentizar el tempo de la narración, asistimos a la historia romántica más sosa del universo, que protagonizan los dos personajes adolescentes, de los que acabó dándome exactamente igual si acababan juntos o no, pues exhibían la misma química entre ellos que una pareja de toallas a juego.

Los papeles de Sacha Baron Cohen y Alan Rickman están bien, pero son meramente testimoniales pues no están demasiado tiempo en pantalla. Por su parte, Helena Bonham Carter está correcta, pero quizá no está a la altura en cuanto a capacidad vocal se refiere, llevando sus canciones como buenamente puede, aunque sin llegar a destacar negativamente.

El que sí está inconmensurable, como casi siempre, es Johnny Depp, que a estas alturas ha demostrado que es uno de los mejores actores de su generación y compone una nueva joya con cada nuevo personaje que interpreta. Su creación del barbero es una muestra del equilibrio perfecto entre histrionismo y contención. A ratos paródico, otros triste, otros de una furia incontenible y otros de una teatralidad prodigiosa. Es el maestro Depp el que hace ganar a “Sweeney Todd” varios enteros y la salva de un posible desastre.

En fin, todos somos humanos y en algún momento tenía que pasar. De todas formas confío en que Burton consiga hacerme soñar de nuevo con su próxima película.

Como todo en la vida, esto del cine, va por modas. Ahora los guionistas, o los jefazos, o quien sea el que manda en los despachos de las últimas plantas de las productoras, se ha fijado en las novelas gráficas y así nos están llegando todo tipo de adaptaciones. Hasta el renombrado Frank Miller ha dejado las páginas llenas de viñetas y hace sus pinitos en la dirección cinematográfica. A ver si hay suertecilla y llega el genial Superlopez a nuestras pantallas… o quizá no, que ya se sabe que hay que tener mucho cuidado con lo que se desea porque podría llegar a convertirse en realidad.

En este caso he ido a ver una adaptación de un cómic de Steve Niles llamado “30 days of night”, traducida – decentemente, por una vez – por estos lares como “30 días de oscuridad”, producida por Sam Raimi – director de la notable “Posesión infernal” y de ese horror llamado “Spiderman 3” – y dirigida por David Slade, autor de la apasionante y dura “Hard Candy” (vaya puñado de datos en un solo párrafo).

En un pueblo perdido de Alaska, los habitantes se preparan para la llegada de las 30 jornadas continuas de noche a las que se tienen que enfrentar cada año. Pero en las últimas horas de luz, empiezan a suceder sucesos extraños, destinados a que la pequeña población no pueda abandonar el pueblo. Todo empeora cuando la gente empieza a morir a manos de unos vampiros sedientos de sangre.

Se agradece que, de vez en cuando, una producción de terror sea tomada en serio, con un guión medianamente trabajado y personajes que no sean meros estereotipos o completamente desdibujados, de los que se limitan a correr delante de los chupasangres. En el caso de “30 días de oscuridad”, junto con la conveniente casquería, los litros de sangre y los cuellos rebanados a hachazos, se aprecia la voluntad de contar una historia de una comunidad atrapada en medio de la nada, intentando sobrevivir durante un mes a un ataque continuo.

Pero un mes es mucho tiempo para mantener la tensión, por ello nos sorprende sobremanera cuando los rótulos en la pantalla van incrementando los días cuando a mí, a pesar de la creciente barba de Josh Hartnett, me parecía que la trama estaba transcurriendo en el lapso de unas cuantas horas.

Salvo ese aspecto poco logrado y algún cliché más que trillado propio del género – no puede faltar la niña diabólica que aterrorice al personal, ni el personaje heroico y medio tarado – la trama se desarrolla con la tensión adecuada, alternando los sustos, la acción pseudo-gore y la tensión contenida en una proporción equilibrada.

También se agradece que haya alguno de los vampiros con alguna expresión dramática y no sólo seres descerebrados atravesando puertas y corriendo como posesos. Es el caso del jefazo de los vampiros, interpretado por Danny Houston que compone un personaje con algo más que dientes afilados y furia incontenida – aunque no mucho más, tampoco os creáis –.

En definitiva, “30 días de oscuridad” es un buen entretenimiento para todo el que no sufra en demasía viendo un hacha abriendo brechas en diferentes partes de la anatomía en una película con un final digno de un buen cómic oscuro.

Ya era hora de meterle mano a la lista de blogs, pues de un tiempo a esta parte he ido conociendo nuevos mundos que visito con regularidad. Así que he buscado nuevo título para la sección y he incluido un montón de novedades a muy buenos precios, así como apartado aquella mercancía que ha ido quedando obsoleta.

Dejando a un lado las bitácoras de algunos profesionales que jamás entrarán por aquí para ver que les he hecho un huequillo en mi tiempo libre (y no tan libre), paso a comentar y piropear aquellas que son más cercanas.

Pequepeque’s blog

Esta andadura ha empezado hace muy poquito, tras haber decidido dar el salto de tecla desde el mundo de los fotologs. Aunque es previsible que a medio plazo, se llene de emocionantes aventuras y vivencias increíbles pues, Ire, su autora, se va un par de meses a un campamento de refugiados saharauis. Una experiencia digna de ser contada.

Exile on Main Street

El gran Reparito ha decidido dar un giro a su vida virtual. Con un certero mandoble ha destruido su anterior bitácora, Over the booking, para dedicarse a escribir sobre su gran pasión: la música. Ya en otro de sus universos, “Coverland”, daba muestras de su insondable conocimiento melómano, así que estoy seguro que descubriré grandes grupos y temas gracias a esta nueva andadura.

El mundo sin remedio

El trabajar en un mundo repleto de frikis trae grandes oportunidades. Uno conoce gente de lo más interesante y, algunos de ellos, están dispuestos a compartir sus inquietudes con los pobres mortales. Ese es el caso de “El hombre sin remedio”, nombre artístico de este productor, compositor, arreglista y apasionado de todo aquello que tenga que ver con la música. Algún día se hará famoso y ahí estaré yo para darle la chapa: “tío, una vez, cuando no eras nadie, curramos juntos y compartimos máquina de cafeses”.

El lado oscuro del celuloide

Por supuesto, he seguido conociendo mundos afines sobre el mundillo del cine. Uno de ellos es este gran blog, parido por Ana, que consigue imprimir a sus textos de una cercanía y un sentido del humor que logran engancharte desde el primer post. Nada de tecnicismos, sino una visión propia sobre el cine y, en mi caso, un montón de gustos muy similares.

El glob de Manuel

Otro de cine, esta vez escrito, como su propio nombre indica, por Manuel, una de las plumas más floridas y agudas que he visto. Su forma de redactar indica que domina a la perfección el idioma de Cervantes, convirtiendo sus textos en toda una lección de narrativa y un gran dominio del mundo cinematográfico. Toda una institución, el “compa” Manuel.

Con las reglas de Bangkok

Hace poco que leo al todo terreno Plissken, pero hasta ahora veo que coincidimos en gustos cinematográficos, televisivos, musicales y hasta deportivos. Un tipo igual de contundente a la hora de escribir en un blog como posteando en un foro. Otro punto de vista que seguro que continuaré leyendo con avidez.

El arcón de Natalia

El último diario cibernético que he descubierto. Natalia, una potencial locutora y una gran crítica, me sorprendió con un asentado, calmado y razonado derechazo a la mandíbula de la multi-alabada película de los Coen “No es país para viejos”. No puedo aún opinar, pues está en mi lista de pendientes, pero esa serena contundencia a la hora de calificar de aburrimiento total a una película que todo el mundo pone por las nubes, me cautivó. Desde luego, un blog para seguir bien de cerca.

Así que estas son mis últimas novedades en mi lista de blogs. Podéis visitarlos y decir que vais de mi parte, que seguro que os invitan a unas cañas… virtuales.

Es curioso que dos películas de concepción tan similar como “REC” y “Monstuoso” hayan aparecido en las carteleras con tan poco lapso de tiempo entre ellas… y también una suerte. Me imagino que si llegan a estar separadas, sin ninguna duda, a la segunda se la habría acusado de falta de originalidad, de plagio de ideas, como seguramente ocurra en la mente de los espectadores usamericanos cuando les llegue el remake de la española, ya que el público medio de por allá es incapaz de implementar en el lobanillo una película doblada o subtitulada.

Estas dos películas tienen otro rasgo en común que, con el tiempo, las convertirá en obras recordadas y, por qué no, incluso podría convertirlas en películas de culto, signifique lo que signifique tal epíteto. Dicha característica compartida son las reacciones extremas, encendidas y encontradas que han provocado a su paso. Salvo una minoría, el público se ha definido claramente en fervientes admiradores y furibundos detractores. A casi nadie dejan indiferente y suelen dar mucho que hablar.

A pesar de que “REC” se instala en el terror más primitivo y “Monstruoso” se decanta por el género de monstruos (valga la redundancia) o de catástrofes, comparten, de una manera mucho más cercana que otra de las que se suelen mencionar, “El proyecto de la bruja de Blair”, una forma de rodar que aboga por el realismo en el cine fantástico, que introduce al espectador en la acción de una forma brutal poniendo la cámara en manos de uno de los protagonistas, con las virtudes y defectos que este tipo de grabación puede tener.

Está claro que aquel al que moleste la filmación hipocondríaca y temblorosa de un tipo que filma y escapa de un bicho al mismo tiempo, odiará la película, se saldrá constantemente del argumento y acabará mareado por imágenes borrosas y, en muchos casos, que no enfocan hacia nada útil. Sin embargo, el que sea capaz de sentir esas imágenes confusas y rápidas como una forma de escapar junto a los protagonistas, se encontrará con una película emocionante, tensa, con personajes con los que fácilmente podemos identificarnos y sin más pretensión que la de mantenernos pegados a la butaca sin pestañear y, si tiene suerte, crear un universo de acólitos y leyenda a su alrededor.

El argumento, en este caso, es lo de menos. Un pretexto, enorme y malvado, para contemplar la isla de Manhattan destruida, la cabeza de la estatua de la libertad cercenada – idea que se le ocurrió a J. J. Abrahams, ideólogo de “Perdidos”, “Alias”, “Felicity” y, por supuesto, la cinta de la que hablamos, así como productor, tras ver el poster de ”1997: rescate en Nueva York” – y una pandilla de adolescentes tratando de salvar sus vidas y rescatar a una de sus amigas. Sin embargo, hasta este enorme y destructivo animalejo está concebido de forma excepcional, mostrándose de refilón y fugazmente la mayor parte del film, acentuando la sensación de desamparo y desconocimiento de los protagonistas y del público.

Sobresaliente también su campaña de marketing, bombardeando la red con noticias veladas, trailers y posters sin título y construyendo todo un universo a su alrededor que se ocupó de que el boca a boca – o, en este caso, el tecla a tecla – se extendiese por todo el mundo como una gigantesca e imparable plaga y, de paso, captar una legión de admiradores aún antes de que se estrenase la película.

El resultado final es un experimento con el sabor que dejan los productos que se elaboran con mimo, con el propósito de hacer bien las cosas. Quizá algo masacrada en su país de origen, ante un grueso del público que no disfruta con esta clase de experimentos, pero que está funcionando de maravilla en el resto de los países en los que se estrena.

Si aún no la has visto, ya sabes que tendrás que escoger camiseta: ¿te apuntas a la aventura del proyecto Cloverfield o pasas de otra de bichos y adrenalina?

Hacía ya bastante tiempo que no me tiraba un periodo tan largo sin escribir en Nunca Jamás, pero esta semana no he tenido ni tiempo, ni ideas. Se hace raro alejarse durante tantos días, sabiendo que tantos y tantos lectores se muerden las uñas ansiosos, actualizando la página cada hora… que me estoy flipando, ¿no? Venga, vayamos al grano.

Después del luminoso y refrescante tratamiento sobre un embarazo no deseado en “Juno”, cruzamos el charco y cambiamos de época para comprobar como se lo toma una universitaria en la Rumanía de Ceausescu, con un país asolado por la escasez de libertades, de comida, de medicamentos o de energía. Un país donde este tipo de embarazos está a la orden del día y en donde los abortos se efectúan en pésimas condiciones, bajo la amenaza de una sentencia de cárcel.

Gabriela es una retraída estudiante, con poca o nula capacidad para decidirse a afrontar el marrón en el que se ha metido y ahora se halla en un callejón sin salida, con un embarazo que dura más de lo que debería. Junto a ella se encuentra su compañera de habitación, Otilia, una chica resuelta, decidida y echada p’alante que la ayudará a buscar una solución.

La película transcurre en tan solo un día en el que no podrían pasar más penurias condensadas en una película seca, directa como un derechazo a la mandíbula, sin ningún elemento que pueda distraer al espectador – ni sumergirlo más – en el agrio drama al que se asiste. No hay banda sonora que valga, la fotografía es triste y desvaída, no hay más decorado que esa rumanía ruinosa y desconchada y el guión está dominado por diálogos naturales, sin discursos ni respuestas ingeniosas.

Los planos largos, sosteniendo la inmensa interpretación de Anamaria Marinca, dominan el metraje. El director y escritor Cristian Mungiu consigue dotar a la narración de tensión, nos revolvemos en la butaca asistiendo, por ejemplo, a esa comida de cumpleaños de la madre del novio de Otilia, donde se encuentra atrapada en un ambiente extraño, con la cabeza en la ruinosa habitación del hotel donde se encuentra su amiga, sin poder escapar y a un paso de darse cuenta que su situación no es tan distinta, que no es dueña de su destino de la forma en que creía.

Sin embargo, esos mismos planos largos que llegan a provocarnos desasosiego en algunos tramos de la película, son los mismos que embarrancan otras partes. Por momentos, la trama, una idea quizá demasiado estirada hasta el largometraje, se ve frenada con primeros planos larguísimos que no aportan nada, como la última escena, tan extensa como prescindible.

Tampoco hace ascos Mungiu al efectismo en algunos momentos, como la secuencia en la que la cámara se queda clavada en la semilla del dolor de la protagonista, en una concesión al ultrarrealismo que, a mi parecer, mejor habría quedado con una elipsis.

Por ello, “4 meses, 3 semanas y 2 días” es una buena película, con grandes momentos gracias a la impresionante actuación de las actrices y un guión dramático y descarnado como pocos, pero demasiado “Dogma” para mi gusto, con una idea demasiado directa y sin ningún instante de evasión.