Bienvenido a Nunca Jamás

Como no todo va a ser cine clásico o grandes producciones en la vida, aprovechando el hecho de quedarme solo en casa ayer por la tarde cerré cortinas y puertas y me dispuse a disfrutar una de terror. Así que rebusqué a ver cuales eran las posibilidades y al final me decidí por una estrenada por estos lares el año pasado: The descent.

La historia es la de un grupo de amigas aficionadas a los deportes de aventura que se reúnen un año después de un accidente en el que una de ellas se vio involucrada y en el que perdió a su marido y su hija. Así que todas juntas esperan ayudarla a superar un poco la tragedia con un nuevo viaje, el descenso a unas conocidas cuevas. Los problemas empezarán cuando comiencen a descubrir que las grutas no se parecen a las del libro de espeleología y al darse cuentas de que puede que no estén solas por allá abajo.

La trama funciona muy bien, ya que los problemas van aumentando gradualmente agudizando poco a poco la tensión del espectador. No es nada recomendable para los que sufran de claustrofobia (o sí, si quieren pasar un “buen mal rato”) pues todo sucede en espacios pequeños, agobiantes, donde parece que las protagonistas se van quedar atrapadas en cualquier momento. La luz siempre escasa, que ilumina poco más que un palmo por delante del centro de la escena, la música que ayuda a crear un clima asfixiante y el hecho de que a medida que avanza el metraje todo se vuelva más surrealista contribuyen al éxito del fin perseguido: mantener al público con los nervios de punta.

También van aumentando los excesos de gore, sangre, casquería y todo tipo de sustancias pegajosas a medida que nos acercamos a un final que, por lo paranoico e inesperado, he de decir que me encantó.

En algún sitio leí a alguien que comentaba que todo era una metáfora sobre el parto; la oscuridad, los sitios angostos, el dolor y el sufrimiento por salir de la cueva, incluso hay alguna escena que recuerda mucho al momento justo del alumbramiento. Estas son lecturas demasiado sesudas para mí. Lo que importa realmente es que las sensaciones que produce son las que se buscan en este tipo de películas.

Sobre el reparto, poco que decir. Un grupo de actrices desconocidas, al menos para mí, que se desenvuelven de forma correcta aportando las clásicas caras de miedito que requiere la ocasión. Por su parte, el director es un tal Neil Marshall, que también se hace cargo del guión y que tan solo cuenta con dos películas anteriores: “Dog soldiers” y “Combat”. Habrá que intentar conseguirlas para comprobar si estamos en presencia de un buen artesano de este género en el que suelen escasear los buenos guiones originales. Su próxima película se encuentra en pleno rodaje y su título original será “Doomsday”.

Ya tenemos aquí el trailer del nuevo trabajo de David Fincher, un tipo al que casi todos adoramos después de habernos dejado dos peliculones como "Seven" y "El club de la lucha".

La nueva peli va a tratar sobre la historia real de un asesino en serie usaméricano al que nunca consiguieron pillar, veremos si tambien sucede esto en la peli. Desde luego está llena de grandes actores, entre ellos uno de mis preferidos, el psicotrópico Robert Downey Jr.

Aprovechando que a Magú le entró la vena gamberra y le dio por colgar clase (hacer pellas, hacer campana, hacer piras… para que veáis mi dominio de la jerga nacional) nos fuimos a dar un garbeo por la lejana y antigua Grecia viendo 300, peli a la que le teníamos muchas ganas. Y como estaba escrito en los astros, no defraudó.

Había leído en el post que Tomy dedica a esta película, que a los colegas con los que iba no les llegó a convencer la narración y que les pareció que tenía poca sustancia narrativa y la verdad es que me esperaba algo más raro en este aspecto, pero la verdad es que, para ser una adaptación tan fiel a un cómic (de hecho hay escenas trasladadas de la forma más literal posible desde las viñetas hacia los fotogramas) la narración es bastante lineal. Quizá me pareció un guión más abrupto, con más saltos en el tiempo, la también magnífica “Sin city”. En cuanto a la sustancia narrativa, hay que decir que es cierto que la historia es muy sencilla. Sencilla y totalmente libre, pues se salta a la torera lo que pudo haber pasado entre espartanos y persas en la famosa batalla de las Termópilas. Pero esto no le resta un ápice de interés al film, si te gusta este tipo de cine de buenos y malos, de fantasmadas bien filmadas y coreografiadas, de imágenes impactantes y discursos heroicos.

La historia, como he dicho, es muy sencilla. Los espartanos, pueblo que nace, vive y muere para el arte de la guerra, es amenazado por el gigantesco ejército del rey Jerjes, que viene avasallando, intentando conquistar un mundo y convertirse en un Dios. Así que el rey espartano, Leónidas, consulta a los oráculos (unos tipos bien feos y grimosos) para poder ir a la guerra, como dictan las leyes de su pueblo. Éstos se oponen, así que el rey se anuda la capa al cuello, saca brillo a sus abdominales y junto con sus 300 mejores hombres se va a repartir estopa al ejército persa.

Las interpretaciones son correctas, aunque la verdad es que requieren más talento físico que actoral, probablemente. Aún así, están muy bien Gerard Butler en el papel del vociferante y valiente Leónidas, o David Wenham (Faramir en “El señor de los anillos”) en el soldado Dilios, narrador de la historia. Mención aparte para el rey Jerjes, interpretado por Rodrigo Santoro, con un doblaje en español que le acerca más a Carmen de Mairena que a un gigante persa (Ire, Santi… teníais razón).

Los aspectos que más me impresionaron fueron la fotografía y la coreografía de las batallas. En cuanto a la primera, es increíble lo que puede hacer la tecnología hoy en día. Como una pantalla azul puede transformarse de una forma tan real en un extenso campo lleno de trigo, en un paraje bajo la nieve o en una tremenda lluvia de flechas. Todo el aspecto visual de la película es una auténtica revolución que merece la pena verse en pantalla grande.

En lo concerniente a las batallas, es increíble la impecable coreografía de las mismas. Largos planos secuencia, con la cámara moviéndose como si de otro soldado se tratase, siguiendo a los guerreros que entran y salen de nuestra visión con una calculadísima precisión produciendo una subida de adrenalina importante.

Como remate, un par de comentarios de críticas que sufrió la película en Usamérica. Algunas voces se alzaron maldiciendo contra la adaptación, tachándola de fascista. Evidentemente hay que tomarse la peli como la adaptación de un cómic y no como un alegato de nada. Es simplemente un entretenimiento y como tal debe ser tratado. Si se le busca lógica y verosimilitud efectivamente no se disfrutará.

Otra de las críticas era sobre la elevada carga erótica de la cinta, según los americanos “rallando el porno”, lo que me hace pensar que estos yankis tan moralistas no han visto una peli porno en su vida.

Por otra parte me encanta la declaración de intenciones del divertido director, Zack Snyder (“Amanecer de los muertos”): “me aburren las películas en las que ni se mata ni se folla”. Toma derechazo a la estúpida moralina estadounidense.

Pues por fin me he lanzado y he visto uno de esos clásicos del que dicen que debería ver todo aquel que sienta pasión por el cine. Siempre me pasa con este tipo de películas, normalmente nunca encuentro el estado de ánimo suficiente para verlos, creo que va a ser más un trabajo que una devoción… y al final acabo comprendiendo por qué han alcanzado la categoría de leyenda y disfruto como un enano cuando las veo. No es la primera vez que me pasa y tampoco será la última (“El Padrino” sigue esperando por mí, aunque Jorge y Tomy quieran matarme).

Así que ya está, quizá la película más famosa y más nombrada de la historia del cine pasa a formar parte de mi memoria, y ahora entiendo por qué es una de las favoritas de Graciela. Personajes perfectamente perfilados que acaparan la simpatía del espectador, diálogos llenos de humor, ironía y cinismo que se cruzan a velocidades supersónicas, imágenes repletas de una enorme belleza visual… todo se conjuga para hacer de ella una película para no olvidar.

El punto de partida de la historia es simple. Estamos en plena segunda guerra mundial, los alemanes han invadido media Europa, llegando hasta París. La gente huye de los países bajo dominio alemán hacia paraderos que les puedan llevar hacia la libertad, y uno de esos lugares es Casablanca. Allí Rick (Humphrey Bogart) regenta un café intentando mantenerse al margen de la política y simplemente sobrevivir, pero el cinismo y neutralidad que le caracteriza empieza a derrumbarse cuando entra por la puerta Ilsa (Ingrid Bergman), la única mujer que ha amado.

Los actores, en aquella época del “Star system”, donde los papeles se hacían a medida, están inconmensurables. Humphrey Bogart es capaz de transmitir con un pequeño gesto más que muchos otros actores en una escena de varios minutos. Ingrid Bergman construye un personaje triste, que se debate frágilmente entre dos amores, sin poder elegir. Claude Rains interpreta a un gendarme oportunista y sin moral que inmediatamente nos cae bien. Peter Lorre, en un corto papel, consigue dar vida a un mafiosillo con pinta de arenque de la forma que solo él sabía hacer. Paul Henreid es “el otro”, un líder de la resistencia con alto sentido del honor. El percusionista Dooley Wilson interpreta a Sam, el pianista del Rick’s café americain y fiel amigo del protagonista. En fin, toda una serie de personajes inolvidables.

Sin embargo, a pesar de la obra maestra conseguida el rodaje no fue nada fácil. Dos prestigiosos guionistas de la Warner, Julius y Philip Epstein, comenzaron a escribir la adaptación de lo que era una obra de teatro fallida, rechazada por los empresarios de Broadway. Pero a mitad de rodaje, con la historia aún sin rematar, los guionistas tienen que abandonar la empresa para escribir una serie de documentales patrióticos que iban a ser dirigidos por Frank Capra.

Así que se llamó a un par escritores para completar la historia y cada uno de ellos influyó en algún aspecto de la trama. Frente a la ironía de los Epstein, Howard Koch hizo hincapié en los valores morales y Casey Robinson aumentó el carácter romántico. Así, las especialidades de varios profesionales construyeron el emblemático guión.

A pesar de ello, cuando ya faltaba poco para acabar el rodaje, no se sabía cual iba a ser el final, así que los actores se encontraban perdidos puesto que no sabían el orden cronológico de lo que rodaban, ni lo que iba a suceder después. Ingrid Bergman le pedía a menudo al director Michael Curtiz que le dijera de quién estaba enamorada realmente, a lo que éste le respondía: “Aún no lo sé, mientras tanto… actúe”.

Tuvieron que regresar los hermanos Epstein para escribir lo que sería el famoso final y aún así, fue el productor Hal B. Wallis quien introdujo, en el último momento, la frase que remata la película y una de las más famosas. La que, entre la niebla que cubre el aeropuerto, le suelta Rick al capitán Renault:

“Creo que éste es el comienzo de una buena amistad”.

Las tortugas ninja (tartarugas mutantes para los de mi tierra) vuelven a la carga. Tras unas películas con personajes reales bastante dignas (por lo menos la primera), y un par de series de dibujos, las han resucitado con un largometraje animado en 3D que promete.

He encontrado el nuevo trailer subtitulado. Aquí os lo dejo, a ver que os parece.

Con este título podría comenzar una categoría que vendríamos llamando “Las películas con las que crecí”. Un buen puñado de films de la década de los 80 que dejaron imágenes grabadas en mi cerebro quizá por el resto de mi existencia. Estoy seguro que, si de vejete empiezo a perder las llaves, a no acordarme de donde he puesto las gafas, o a tener problemas para recordar el nombre de mis nietos, seguiré teniendo frescas algunas secuencias de estas películas que vi cuando la memoria aún no estaba repleta de información.

D.A.R.Y.L. está rodada en 1985, por lo tanto me pillaba a mí con 8 años y el pelo cortado bastante hippie, de un rubio casi blanco, lo que hacía que montase en cólera cuando los mayores me confundían con una niña. Por aquella época, cuando el VHS era ya el formato dominante habiendo vencido al sistema BETA, éramos socios de un videoclub, situado muy cerca de nuestra casa, llamado “Buho”, al que mis padres me llevaban de vez en cuando. Entrar en aquel mundo lleno de carátulas que invitaban a la aventura, a los viajes espaciales, a los tesoros enterrados, era algo único. Como si Indy se encontrase en una vieja biblioteca con miles de libros sobre enigmas por desenterrar.

Así fue como un día descubrí esta película de corte familiar, con argumento sencillo rozando lo esquemático pero que consigue atrapar al espectador, sobre todo si eres un chaval soñador de ocho años.

Todo comienza con una persecución, donde un automóvil huye de un helicóptero por un camino forestal. En un momento, el coche se detiene y de él se baja un niño, de unos 12 años, que se esconde en el bosque. Poco después el coche continúa y decidido se tira por un barranco.

Unos abueletes recogen al chaval y lo llevan al pueblo, donde lo examinan descubriendo que posee una habilidades fuera de lo común y una amnesia parcial que le impide saber quienes son sus padres o donde ha vivido. Mientras esperan a que alguien llegue buscándolo, el niño es confiado a una familia para que lo cuide, donde irá descubriendo la amistad, el amor de una familia y todo un espectro de sentimientos que nunca había experimentado… y hasta aquí puedo leer, ya que después todo desemboca en una aventura en la que todos se irán llevando sorpresas.

El chaval protagonista se llama “Barret Oliver”, y fue un increíble actor infantil que protagonizó algunos títulos memorables como “La historia interminable” o “Cocoon” y luego se retiró del mundo del cine para estudiar fotografía, algo bastante insólito en Hollywood.

Todo es muy inocente, desde los efectos especiales, hasta la misma trama cargada de buenos sentimientos, pero es una película que se deja ver con facilidad y te deja con una sensación muy agradable.

Es curioso, pero aunque hacía muchísimo que no la veía, parecía no haber pasado el tiempo. Recordaba cada escena de forma clara. Incluso había diálogos que me sabía casi de memoria. Está claro que lo que aprendemos de niños es difícil que se nos olvide. Si conservásemos esa capacidad el resto de nuestras vidas vaya chollo que iba a ser estudiar los exámenes.

¿Has bailado con el diablo a la pálida luz de la luna?

No se cuantas veces habré visto esta película. Recuerdo ir a ver “Batman vuelve” en su estreno, en un cine de Vigo que ya no existe. Uno de esos cines antiguos, con más pinta de teatros, con butacas rojas y bien almohadilladas y una enorme pantalla. Había que llegar con tiempo, si querías coger el mejor de los sitios: primera fila del palco, justo en el centro. Entonces se apagaban las luces y entrabas en un mundo nuevo.

Recuerdo también que cuando salí de la sala, con la adrenalina aún a flor de piel después de ver las aventuras del hombre murciélago, vendían posters de la película a la salida. El rostro de Michelle Pfeiffer disfrazada de Catwoman estuvo unos cuantos años justo encima de mi cama, pegada en el techo.

La primera película del superhéroe se había estrenado tres años antes, en 1989, y que yo recuerde no la fui a ver al cine. Sin embargo sí recuerdo desde hace mucho una copia en VHS, mal grabada de la televisión, con los anuncios fielmente cortados, y con una carátula recortada de alguna revista. Una copia muy deteriorada, después de haber sido vista decenas de veces.

Quizá fue el inicio de mi devoción por su director, Tim Burton, o quizás fue “Bitelchús”, estrenada un año antes. El caso es que a partir de entonces pocas películas de este singular genio me han decepcionado y unas cuantas se han convertido en parte de mi mundo cinematográfico.

Burton se ha creado un universo propio, con fijaciones que se repiten en muchas de sus películas, con un gusto por una estética que ha creado escuela y con una pasión por lo absurdo que me resulta fascinante. Así, en sus películas no todo debe tener lógica, ni ser explicado, si no que a veces cede parte de ese terreno para ganar en imágenes impactantes. En “Batman” podemos ver claros ejemplos, como cuando la nave de Batman sube hasta ponerse delante de la luna llena para dejarnos su símbolo, o el genial pistolón gigante que se saca el Jocker para derribarla.

Muchas veces las imágenes son más importantes que dar credibilidad a la historia en este mundo. Lo cual no quiere decir que no salga una buena adaptación si se trabaja con un guión más “real”, como podemos ver con la nueva visión que del personaje realizó Christopher Nolan en “Batman begins”.

Pero vayamos al comienzo de la historia. El proyecto de llevar Batman a la pantalla se pasó pululando por Hollywood unos 10 años, de la mano de un hombre con una sólida idea en la cabeza de lo que debía ser la estética de la película, Michael E. Uslan, que llegaría a ser productor ejecutivo del film. Tras ser rechazado por todas los grandes estudios de la ciudad, consiguió firmar un acuerdo con una pequeña compañía llamada Casablanca, para después conseguir un acuerdo con Warner Bros, que era propietaria de DC Comics.

Se pensó en diferentes directores para llevar a cabo la película como Joe Dante (“Gremlins”) o Ivan Reitman (“Cazafantasmas”), hasta que se decidieron por Tim Burton, el cual venía de cosechar un gran éxito con su segunda película: “Bitelchús”. Entonces el director, en colaboración con el guionista Sam Hamm, elaboró un guión del cómic oscuro, psicológico y gótico, que se acercaba a las viñetas del cómic de DC y se alejaba de la pastelosa serie de los 60, que si os acordais, echaban por aquí en las cadenas autonómicas, y que había influido de manera negativa en la visión que el público tenía del superhéroe.

Aunque esa no fue la versión definitiva del guión, si no que hubo un montón de cambios, incluso a lo largo de la película, que fueron un verdadero quebradero de cabeza para Tim Burton, que a veces tenía que filmar escenas sin saber que iba a pasar a continuación, como el final en la torre de la catedral, que se cambió en el último momento.(foto) Incluso se llegó a pensar en incluir a Robin, aunque dada la estructura básica de la película resultó algo imposible, afortunadamente, diría yo.

El caso es que esa nueva visión más oscura del personaje fue aceptada en la Warner gracias a la explosión en los ochenta de la novela gráfica, y la nueva popularidad que le dio al personaje el impresionante cómic de Frank Miller (ahora muy de moda por las adaptaciones a la pantalla de sus obras “300” y “Sin city”) “El regreso del señor de la noche”.

Una vez comenzado el proceso creativo, un gran motivo de polémica fue el reparto. Mientras que con Jack Nicholson en el papel del Jocker todo el mundo estaba entusiasmado, la elección de Michael Keaton generó una auténtica oleada de crispación por parte de los fans del comic. Keaton estaba considerado como un actor cómico, como había demostrado un año antes en “Bitelchús”, y los lectores de Batman se movilizaron contra lo que creyeron que iba a suponer otra parodia del personaje. La Warner se vio inundada por más de 50.000 cartas de protesta, las acciones de la empresa cayeron, se destrozó el material publicitario en las ferias del comic e incluso llegaron a decir que Adam West, el protagonista de la serie de los 60, era mejor elección. A pesar de todo, Burton se mantuvo firme en su decisión, y Warner, aunque temerosa, accedió.

Para el papel de Vicky Vale se escogió en un primer momento en Sean Young, la inolvidable Rachel de “Blade Runner”, pero se quedó fuera de la película al sufrir una caída montando a caballo a una semana de comenzar el rodaje, por lo que el papel acabó en manos de Kim Basinger que se incorporó al rodaje con tan solo un par de días para prepararselo.(foto) Por cierto, Sean Young protagonizó un surrealista episodio en el rodaje de “Batman vuelve”… pero esta es otra historia y se contará llegado el momento.

“Batman” se filmó en los estudios Pinewood, en Inglaterra, y se convirtió toda una nave en la visión que Burton tenía de Gotham City. El encargado fue el diseñador de producción Antón Furst, y como se puede ver, se consigue un Gotham oscuro, tétrico, extremadamente gótico… muy acorde con el universo burtoniano.

Otro de los motivos que llegaron a una profunda discrepancia de los fans acérrimos fue el nuevo diseño del traje del superhéroe de Bob Ringwood, que cambiaba del azul o gris al negro, y le incorporaba una musculatura falsa. Como se comprobó después, esto fue todo un acierto, y se mantuvo en todas las películas posteriores, siendo un signo distintivo del Batman del celuloide.

Tampoco podemos olvidar a Danny Elfman, eterno colaborador de Burton, sacándose de la chistera una banda sonora épica, que como siempre encaja como un guante con la estética del director, junto con las canciones que Prince compuso exclusivamente para el fin y que Burton nunca se sintió demasiado cómodo incluyendo.

La campaña de marketing que precedió al estreno en Usamérica fue espectacular. Era la película más cara hasta la fecha, tenían un logotipo que impactaba e innumerables fans deseando ver una gran película de su héroe. La gente robaba los carteles de la película de las paradas de autobús, los productos de merchandaising se agotaban a un ritmo electrizante y la gente iba a ver al cine obras que no les interesaban solamente para asistir al trailer de Batman. Esos meses previos al estreno fueron una locura.

El tremendo éxito de la película ayudó aún más a relanzar el personaje de Batman en todos los ámbitos. En el cine, en el cómic, y también en la televisión con el lanzamiento de una nueva serie de dibujos animados llamada “Batman, the animated series” que fue una excelente serie de ambiente oscuro y aún así alejada de la estética de la película.

El resultado… deslumbrante. Jack Nicholson hizo del Jocker uno de los mejores villanos que se han visto nunca en una pantalla de cine, si no el mejor. Michael Keaton no defraudó a quienes lo apoyaron e hizo cambiar de parecer a los miles de fans que desconfiaban, construyendo un Batman atormentado y oscuro. La película se convirtió en un punto de referencia para posteriores adaptaciones, dejando imágenes y frases para el recuerdo.

- ¿Quién eres?

- Soy Batman.

Hay a quien, cuando aparece un continuará en una película, cortando la trama por la mitad, se indigna. Y lo entiendo, vaya cortada de rollo.

A mi por el contrario me provoca unas ganas locas de ver la siguiente. Me pasó con "Regreso al futuro 2", en menor medida con "Matrix reloaded" y me ha vuelto a pasar con "Piratas del caribe 2: el cofre del hombre muerto". Pues bien, el genial Johnny Depp y su arrebatadora creación Jack Sparrow, ya están cerca.

Aquí os dejo el trailer, para activar a fondo las glándulas salivares antes del gran momento.

Ayer me fui al cine a ver la película que le quitó el oscar a “Volver” en el apartado de film de habla no inglesa; la alemana “La vida de los otros”. Fue ayer, como podía haber sido cualquier otro día y al llegar allí me sorprendió ver, en un cine en versión original, con película en alemán, una larga cola de viejecillos esperando para sacar la entrada. Entonces me acordé. Los martes, los mayores de 65 añazos pagan un euro por ir al cine, lo que me parece una iniciativa muy positiva. Así que allí me encontré, con un cine en un silencio casi absoluto (menos la típica señora justo en la butaca de atrás que se creía que estaba en el salón de su casa) mientras yo le explicaba algunos detalles de la última parte de la trama a la abuelilla que tenía a mi lado, que se había perdido un poco. Una gran experiencia.

Así que fue una tarde bastante redonda. Por un lado, la extraña sensación de ser por una vez la persona más joven dentro de una habitación y por otra, la peazo película que me metí entre pecho y espalda.

La historia trata sobre un empleado de la Stasi, la policía secreta del régimen comunista de la antigua República Democrática Alemana. A pesar de haber sido de los primeros en su promoción, guiándose por un sentido del honor muy estricto es un hombre que no ha querido trepar hasta altos puestos de mando así que desempeña una labor docente sobre como se ha de perseguir y hacer hablar a los enemigos del régimen. Un hombre de vida espartana y solitaria que está convencido de las bondades de un sistema que le proporciona un trabajo desagradable pero que desarrolla de forma impecable.

Recomendado por un antiguo amigo de la academia, es escogido para intentar demostrar que un famoso y alabado por el régimen director de teatro, esconde algo detrás de su fachada de fidelidad al gobierno. Día tras día, a través de las escuchas continuas en casa del dramaturgo, este hombre que se considera a si mismo de moral intachable, irá cambiando su forma de observar la realidad y su valoración sobre las personas y el sistema que le rodea.

Es una película que te sumerge prácticamente desde el primer momento en las virtudes y defectos de un buen número de personajes de personalidades complejas, con muchas aristas, que van evolucionando a medida que se va deshilvanando la historia. Un pequeño tratado sobre algunas de las miserias y bondades que caracterizan al ser humano.

Además, la pegada de la historia se ayuda de unas actuaciones muy buenas. Sobre todo la del personaje protagonista, interpretada por un tal Ulrich Mühe que construye, con el mínimo posible de gestos y una mirada tremendamente intensa a un tipo que, a pesar de su indignante trabajo, no provoca rechazo, si no más bien tristeza y comprensión.

Por otro lado, aunque siempre me voy quejando de los finales, de la dificultad para rematar una película de forma redonda, esta vez me encontré con un guión perfectamente pulido, impecable desde el principio hasta un remate impecable, que deja un regusto agradable a pesar de la dureza de la trama y una media sonrisa en los labios.

Una película, pequeña en estructura y medios, pero enorme en su capacidad para tocar los sentimientos más profundos.

Para compensar, despues de una de cal, otra de arena. A mediados de Marzo llegará la nueva película de Danny Boyle, un director bastante interesante.

Para el que no se acuerde, fue el director de "Trainspotting" y de "28 días después", aunque también lo fue de aquel batiburrillo extraño llamado "La playa". En fin, el trailer promete así que esperemos lo mejor de él.

Os dejo el internacional, en inglés, porque la verdad es que el primero, ya doblado al castellano, es bastante pobre.