Bienvenido a Nunca Jamás

Soy de esas personas a las que les gusta escuchar un disco en su conjunto. De vez en cuando, encuentras un LP que tiene un sentido propio tal y como está hecho, cuyo orden guarda una lógica y escuchado entero, de principio a fin, consigue transmitir un sentimiento, una idea o un estado de ánimo que no es capaz de dar, pongamos por caso, un disco recopilatorio. No sucede siempre, de hecho, son pocos los álbumes que guardo en mi memoria de esta forma, como un libro del que no debe leerse un capítulo suelto ya que, si lo hiciera, perdería una gran parte de su magia, pero cuando se encuentra una de estas obras, es casi seguro que se guardará con celo hasta que uno se queda sordo… e incluso más allá.

Viendo la película “Once”, tuve una sensación similar, ya que más que un film al uso, es más un buen disco al que se le han puesto imágenes para que se pueda seguir más fácilmente, o para complementar aquellos sentimientos a los que la música, por sí sola, es capaz de rozar pero le cuesta más remover. Un ejercicio que, de otra forma intentó Disney en la increíble “Fantasía”, aunque en aquella ocasión se intentaba al estilo de los discos recopilatorios. Tenemos, en este caso, música filmada con alma, con una historia que conmueve, divierte y emociona a partes iguales.

El grado de emoción que consigue transmitir la película es directamente proporcional a la franqueza con la que está rodada e interpretada y esto lo consigue, en gran medida, gracias a los actores principales, ambos músicos que ya habían colaborado juntos en algún disco. Glen Hansard y Markéta Irglová componen las canciones que sirven como hilo conductor por el que el argumento se va deslizando y ofrecen una interpretación sencilla que consigue provocar que nos identifiquemos con lo que están pasando desde el primer momento.

La historia es la de un músico callejero que interpreta durante el día canciones conocidas y, por la noche, canta sus propias composiciones que giran, casi todas, alrededor de un desengaño amoroso. Un día conoce a una vendedora de flores que se detiene a escuchar una canción y empiezan una relación amistosa en la que la música será su punto de unión.

La película habla de la música como parte integrante de nuestras vidas de una manera muy potente. Las imágenes de la guitarra del protagonista, vieja, rota, una guitarra que ha vivido y sufrido las canciones que salen de sus cuerdas, o cuando ella va a practicar con el piano a una tienda de música, probando cada día un teclado diferente mientras el dueño escucha complacido, o en la grabación del disco, cuando un técnico de sonido que ha visto demasiados malos grupos se sorprende con la calidad de lo que tiene delante. Todo lo que sucede, cada cambio, cada sentimiento, viene adelantado por un cambió de compás.

Es esta una película, en definitiva, que disfrutará todo el mundo por su cara amable, una historia que deja marcada una sonrisa en la cara y una banda sonora envidiable pero, será paladeada mucho más, por todo aquel que disfrute realmente con la música, por todos los que sean capaces simplemente de sentarse, cerrar los ojos y escuchar.

Hoy vamos con un post a medio camino entre el cine y la música, un gran ejercicio de alquimia mezclado y removido por un actor al que admiro desde que pude ver la impactante “Réquiem por un sueño”, de Darren Aronofsky.

Jared Leto y su hermano Shannon crearon, en 1998 una banda que en principio funcionaba como un divertimento familiar, pero que poco a poco fue ganando cierto prestigio en Usamérica. Con tan solo dos discos en su carrera, el último de ellos “A beautiful life” sacado hace ya 2 años, tienen un sonido fresco y distintivo en el que sobresale la voz de Jared Leto, por veces suave y en otros momentos dura y desgarrada.

Uno de los sellos de identidad del grupo son sus vídeos musicales, auténticas joyas que homenajean películas muy conocidas. Mi videoclip preferido, así como el de la abogada, es el del single “The kill”, basado en la película “El resplandor”, también en mi lista de indispensables, así que aquí os lo dejo.

¿Cuáles son las motivaciones que llevan a un chaval adolescente, cuando su visión del mundo aún no está del todo formada (quizá nunca lleguemos a formarla del todo) a tomar cierta conciencia política y elegir unos ideales? La familia, el entorno, los amigos, sus experiencias, el propio carácter del chaval… todos estos factores unidos puede darnos el germen del radicalismo hacia cualquiera de los bandos posibles, una posición moderada o incluso un ideario apolítico. Pues esto es lo que trata de poner sobre el tapete el director italiano Daniele Luchetti en “Mi hermano es hijo único”, construyendo con mano firme y ayudado por sólidas actuaciones, tanto una crítica del fanatismo ideológico como la aventura vital de unos adolescentes perdidos en una marea de ideas imperfectas.

En la Italia de los años 60, en una familia proletaria y humilde, Accio, el pequeño de tres hermanos, trata de encontrar su sitio. Cuando ingresa en el seminario parece haber dado respuesta a sus preguntas pero, las incoherencias de profesores y sacerdotes y las ideas de su hermano, comunista convencido, harán que se replantee el camino y que tome nuevas direcciones.

La mala relación con sus padres y hermanos hará que la amistad con un comerciante del barrio empiece a influir en su forma de pensar, ya que este ser ajeno a su día a día es todo lo contrario de lo que ve en su familia. Esta evolución lo llevará a afiliarse al partido fascista italiano, volviendo mucho más tensas sus relaciones familiares, en donde el activismo y las ideas de su hermano lo convierten en una especie de héroe.

“Mi hermano es hijo único” nos conduce por la vida de este chaval, mostrándonos sus primeros amores, su relación de amor-odio con su hermano mayor, sus desilusiones y, en definitiva, una buena parte de su experiencia vital y como ésta influye en su ideario político y social.

Luchetti trata de no posicionarse en ningún momento, sin demonizar a seguidores de ninguno de los partidos ni encumbrar a otros, sino tratando de mostrar la incoherencia propia del ser humano, las bondades y defectos de cada uno de los grupos en los que Accio se encuentra. Ese distanciamiento de lo que envuelve al protagonista y la neutralidad con la que se intenta filmar es uno de los aspectos que más me gustó de una película que intenta que sea el público el que tome partido (o no). Luchetti se convierte así en la antitesis del cine documental de Michael Moore, que toma partido desde el inicio e intenta transmitir sus ideas a través de la pantalla.

La propuesta funciona en gran medida gracias a interpretaciones cercanas y totalmente carentes de excesos, acercando la película al documental, como si estuviésemos filmando con cámara oculta a una familia de nuestro propio barrio, con sus miserias y sus sueños. El actor protagonista, Elio Germano, lleva el peso de gran parte de la película de forma casi perfecta, con una naturalidad increíble convirtiendo a su personaje en alguien cercano, en un vecino de toda la vida casi desde el principio.

La única pega que le encuentro es la excesiva ambición del guión, intentando situar a Accio en todas las situaciones posibles para plantear un debate completo. Esto provoca que hacia el final del metraje todo se atropelle un poco, deslizándonos hacia un final esperanzador y casi onírico, pero ligeramente precipitado.

No está mal algo de cine social de vez en cuando entre brújulas doradas, guerreros épicos y magos adolescentes para desoxidar neuronas que, en buena parte de las películas, llevamos con el piloto automático.

El sábado a la noche, tirados en casa, recuperamos una de tantas películas que, aunque en su paso por la cartelera generaron cierto interés, por unas u otras razones acabaron siendo descartadas. “Hollywoodland” narra una historia de esas que a los cazadores de leyendas del cine nos resultan sabrosas. La película ganaba puntos también porque hace poco había rematado un libro llamado “Malditas películas”, dedicado a aquellos films que por diversas razones habían generado una leyenda negra a su alrededor. A los casos de “Poltergeist” o “La semilla del diablo” se unía la llamada “maldición de Supermán” que aludía a los desastres acaecidos a todos los actores que habían pasado por las mallas del superhéroe. “Hollywoodland” cuenta el oscuro final de uno de ellos, George Reeves (que no tiene nada que ver con el otro gran Superman, Christopher Reeves).

La película se desarrolla siguiendo dos líneas argumentales. En una, un detective cínico y perdedor, encarnado por Adrien Brody, trata de desentrañar las verdaderas causas de la muerte del actor, aparecido con un tiro en la sien, con evidentes signos de embriaguez y desnudo en la cama de su habitación. Aunque la policía ha dado carpetazo al caso por estimar que ha sido suicidio, parece haber demasiados cabos sueltos.

La otra línea argumental sigue el último tramo de la carrera de George Reeves, al que da vida Ben Affleck, desde que se hace amante de la esposa de Eddie Mannix, todopoderoso de la Metro Goldwyn Meyer, pasando por el momento en el que acepta encarnar al kryptoniano, hasta su misteriosa muerte.

“Hollywoodland” es una película bastante paradójica, a mi modo de ver. Cuando se podía esperar que una historia real, con tantos claroscuros y tantas incógnitas, personajes reales y reconocibles y tramas mafiosas de por medio fuera interesante y ágil, a mi me pareció más bien insulsa y sin ritmo. No se aprovechan las posibilidades de la historia y el juego de ir cruzando la historia del detective con la del actor, no me pareció que funcionase demasiado.

Por otra parte, en un plantel con actores tan solventes como el propio Brody, Diane Lane o Bob Hoskins, es un muy acertado Ben Affleck el que sobresale (a pesar de que ya había leído en unas cuantas críticas su acierto, no acababa de creérmelo). Affleck, que engordó varios kilos para interpretar a George Reeves, está perfecto en el papel de un actor obligado a aceptar un papel que no le gusta para sobrevivir y golpeado por la frustración al no poder desencasillarse por culpa de un público que ha unido personaje e intérprete. Hasta consigue eliminar por completo esa “pose Affleck”, con boca semiabierta y expresión de asombro que le persigue en todas sus películas.

Es una pena que una película que destila aroma a Hollywood antiguo, con ambientación bien cuidada e historia, a priori, interesante, no logre mantener el ritmo. El jugo que se le podía haber sacado a los entresijos de la maquinaria del cine americano, de cómo se pactaban y conseguían los papeles, de la importancia de los contactos, se pierde en una trama algo confusa y que da más importancia a la historia del detective que suena a algo visto demasiadas veces.

Al acabar la peli, me quedó al menos el consuelo de no haberme gastado los 6 eurazos del cine en una película que no me habría llenado.

Como reza el título del post, Nunca Jamás se va de viaje, aunque sin abandonar el hogar. Expande sus límites y deja su granito de polvo de hada en otros mundos. Esto quiere decir (ya se que me voy por las ramas como un mono de esos de culo colorao) que empiezo a colaborar en una gran página de cine llamada Muchocine. Así que, algunas de mis críticas podréis verlas también por allá, como también un bonito monográfico que estoy a punto de empezar y del que os dejaré los enlaces para que podáis presumir de conocimientos cinéfilos en las cenas familiares.

Es divertido esto de emprender nuevas etapas, así que a ver en que desemboca esta nueva aventura que empieza como un gran regalo de navidad.

Pues sí, parece que han puesto en Hollywood a algún becario eficiente a buscar sagas literarias infantiles para adaptar a la gran pantalla y están saliendo como churros. Teníamos hasta ahora a Harry Potter, “Los seis signos de la luz”, “Las crónicas de Narnia” y alguna más que seguramente me olvide y de repente nos llega “La brújula dorada”, basada en la saga “La materia oscura” de Phillip Pullman. Además el paquete nos llega con polémica incluida después de que la Iglesia Católica más rancia y conservadora gritase a los cuatro vientos que esta historia es una herejía así de grande, lo que generó en mí una curiosidad adicional.

El punto de partida tiene bastantes puntos en común com muchos de estos libros juveniles. Una protagonista pre-adolescente que vive en un universo paralelo al nuestro, donde los seres humanos van acompañados por animales parlantes, portadores del alma del dueño, tiene que enfrentarse a una malévola institución que intenta ocultar al mundo la verdad científica para poder dominar sin problemas la razón de la gente. Así, se ve envuelta en una aventura que la sacará de su gris vida hacia otros territorios y mundos y que le llevará a conocer a un montón de personajes peculiares por el camino.

Como podemos observar, la crítica a la iglesia no es velada y de segunda lectura sino directa y a degüello. Aún así, aunque aprovecha para criticar tan abiertamente (y por lo que tengo entendido esto va a más en las entregas posteriores), Pullman se las arregla para dotar a su fantasía de acción a raudales y personajes entrañables. Estoy seguro de que en el paso de la página a la pantalla se pierde bastante sustancia pero, aún así, la película es entretenida y emocionante, con efectos especiales cuidados, una ambientación capaz de transportar al espectador a un mundo paralelo y unas actuaciones que ayudan en gran medida al desarrollo de la aventura.

Nicole Kidman en un papel de malísima en el que se mueve a gusto, Daniel Craig haciendo de aristócrata, Eva Green en el rol de bruja buena con escoba y todo y el genial Sam Elliot, uno de mis secundarios favoritos, al que pudimos ver en la mediocre “Ghost rider” en un papel muy similar. Además, para quien decida verla en versión original disfrutará también de las voces de Freddie Highmore (el chaval de “Charlie y la fábrica de chocolate” o “Descubriendo Nunca Jamás”), Kathy Bates, Ian McKellen o Kristin Scott Thomas.

Quizá la nota negativa esté donde casi siempre en estos casos. Es muy complicado encontrar un chaval que lleve el peso de la historia sin desentonar, que los niños prodigio no aparecen como setas. En este caso, la debutante Dakota Blue Richards no llega a provocar ganas de que uno de los osos la desmonte pero desde luego, está muy por debajo del nivel del resto de actores.

De todas formas, uno se olvida pronto de actuaciones y demás tonterías ya que la historia es de las que consigue transportarnos a mundos de fantasía, donde podemos hacernos amigos de un oso guerrero, ser salvados por un ejército de brújulas montadas en escóbulas (lo siento, tenía que hacer el chiste) o tener en nuestro poder una brújula dorada para poder cotillear a gusto sobre los que nos rodean.

Después de una película como esta, a uno le entran ganas de embarcarse en una nueva aventura literaria y descubrir los libros de Pullman. Ya os contaré si lo acabo haciendo.