Bienvenido a Nunca Jamás

A todo el que haya visto “La flaqueza del bolchevique” se le ha quedado su cara grabada. El primero en quedarse embobado con María Valverde fue Xurxo, pero los demás no tardamos en caer. Para mi, la Scarlett española en formato lolita. Con una mirada que llega a hipnotizar, unos labios que invitan a la imaginación y por si esto fuera poco, una gran actriz.

En este caso, antes de dar vida a Lucrecia Borgia (que aún no he visto, pero ella debe estar espectacular, al margen de como sea la peli) se ha embarcado en la aventura de cruzarse el Mediterráneo para ir a rodar una película a Italia. Una película muy dura, basada en una novela muy leída en el país de la bota.

Es la historia de una adolescente perdida, con un cuerpo en plena ebullición que empieza a ofrecerle sensaciones desconocidas. Viviendo con una madre que solo ve lo que quiere ver, un padre ausente y una abuela que es su único anclaje a una familia prácticamente inexistente, le cuenta a su diario todo lo que no es capaz de expresar en voz alta.

Como todas las adolescentes, está enamorada hasta las trancas, con tan mala suerte de que el afortunado es un cabrón. En su primera experiencia con el sexo opuesto, el capullo este la utiliza, iniciando así una caída de la chica en un intento de devolverles a los hombres todo el dolor que son capaces de causarle. Así inicia una espiral en la que a medida que se recrudecen las escenas de sexo, menos se va queriendo Melissa a sí misma y peores decisiones va tomando.

Un argumento para pensar en lo liados que estamos en la adolescencia, y lo fácil que es tomar las decisiones erróneas a poco que las situaciones vengan torcidas. Sobre la incapacidad de comunicación entre padres demasiado preocupados en que la vida sea perfecta y demasiado poco en sentarse a hablar con su hija. Sobre chavales que se sienten aislados en medio de un montón de gente. Sobre la crueldad emocional que se puede llegar a sufrir en un instituto.

Lo único que desentona en la historia es un final, quizá demasiado almibarado y soleado, en una película que mete más miedo que cualquier espíritu, casa encantada o monstruo peludo.

Caray, como se nota que ya estoy de vacaciones de navidad, hoy me he hinchado a escribir cosas. Valga esto por la temporada que me voy a tirar en Vigo sin Internet, con mi público ansioso por nuevas aventuras cinéfilas (esto es lo que se llama soñar despierto)

Algún día tenía que caer, y seguramente no será el último.

Mi grupo preferido, el que me ha acompañado en más momentos en mi vida, el más camaleónico, con una de las mejores voces que ha dado la música. Un grupo que tiene el mérito de haber hecho el primer video-clip de la historia (aunque algunos opinen que fue el jailhouse rock de Elvis, pero esta es otra discusión). Hablamos de Queen.

Os dejo uno de mis vídeos preferidos. En un momento en el que los cuatro miembros (con perdón de la expresión) eran totalmente reconocibles, hacen esta joya. Una revisión por las estéticas del grupo desde sus inicios hasta casi el final. Genial la última parte...

Después de la debacle de la última película de la serie, retomamos de nuevo el pulso de la calidad con una historia de Mateo Gil, el mismo que co-escribió junto a Amenabar los peliculones “Tesis” y “Abre los ojos”, o el director de “Nadie conoce a nadie”.

Esta vez me encontré con una película más contenida que las dos primeras (la tercera voy a pasarla por alto), y quizá más angustiosa porque realmente pasan pocas cosas, pero en el momento justo. Creo que los listos denominan a esto terror psicológico… y funciona.

Empieza con un prólogo muy cortito que sirve para sembrar la curiosidad y continúa con una historia en dos momentos de la vida del personaje principal, interpretado por Juan José Ballesta (“El bola”). Uno de ellos cuando tenía 16 años y sucede algo que condicionará el resto de su vida, y otro de ellos, unos cuarenta y pico años más tarde, cuando vuelve al pueblo donde se crió a saldar una deuda pendiente.

Durante toda la película se mantiene la tensión, con saltos en el tiempo muy bien llevados, en una clara progresión de agobio hasta llegar al desenlace, que me parece de los currados, al nivel de las dos primeras películas que menciono en el post.

Los actores están todos muy bien, con especial mención para Juanjo Ballesta que se ha convertido en un crack. También podemos encontrar a Natalia Millán, una de las profesoras de “Un paso adelante” interpretando un personaje bastante enigmático, Jose Ángel Egido (“Los lunes al sol”) o un momento estelar de Miguel Rellán (el profe barbudo de “Compañeros”) haciendo de chiflado.

Ya veremos que nos deparan las dos últimas películas de la serie…

Ya que en el post anterior he mencionado a Danny Elfman, he pensado que este genial compositor se merecía un hueco para el solito, así que os pongo algunas cosillas de él.

Nació en Amarillo, Texas, el 29 de Mayo de 1953 y pasó su infancia en Los Angeles. Cuando tenía 18 años, cogió sus bártulos y se fue, junto a su hermano Richard, a Francia, donde se involucró en un grupo de teatro y recibió educación de orquestación musical.

Poco después fundó, junto a su hermano, el grupo musical “The mystic knights of Oingo Boingo”, que posteriormente sería conocido sólo por “Oingo Boingo”. La larga carrera del grupo, desde principios de los setenta hasta 1995, y su original estilo, lo convirtieron en un grupo de culto.

La primera incursión de Danny en el cine fue firmando la banda sonora de la película “Forbidden zone” (1980) de su hermano Richard. Unos años más tarde Danny conoce a Tim Burton, que era un gran fan de “Oingo Boingo”, y traban una duradera amistad que se vería traducida en un montón de memorables bandas sonoras, comenzando por la opera prima de Burton, “La gran aventura de Pee Wee”.

A partir de aquí, un gran número de bandas sonoras de películas de Burton que a mi forma de ver suenan totalmente diferentes a todo lo que se había escuchado hasta entonces, y que ya pueden calificarse como joyas. “Eduardo Manostijeras”, “Beetlejuice”, “Batman” y el resto de películas de Burton con la única excepción hasta la fecha de “Ed Wood". Y sobre todas ellas, una obra maestra de ambos, “Pesadilla antes de Navidad”. En esta última Burton deja volar su increíble imaginación y Elfman compone, escribe las letras y canta el papel principal en una de las mejores bandas sonoras jamás escuchadas.

Aparte de la estrecha colaboración con Tim Burton, Elfman firma el score de películas de otros directores, como “El indomable Will Hunting”, “Spiderman”, “Misión imposible”, “Dick Tracy”, “Men in black” o el musical “Chicago”, y es el autor de sintonías tan conocidas como las de “Los Simpson” o “Mujeres desesperadas”. Actualmente se le escucha en las televisiones de usamerica con la banda sonora de la versión americana de “The kingdom”, serie de terror basada en un relato de Stephen King que llevó a la televisión Lars Von Trier en Dinamarca.

Por último os dejo aquí un trocito de esa joya del cine llamada “Pesadilla antes de navidad”, que si tenemos suerte podremos ver en España en su esperada versión en 3-D. Con todos ustedes, Jack Skellington interpretando “What’s this”.

Las veladas que no se planean son las que mejor salen.

Parecía que iba a ser una noche tranquila, delante de la tele, de la play o de un libro. El 50% de los habitantes de la casa tenía una de esas típicas cenas de navidad en las que se come mucho, se bebe más y las conversaciones se debaten entre los cotilleos de oficina/clase y poner de vuelta y media al jefe/profesor de turno.

Al final, la determinación venció a la pereza. Eli y yo nos deshicimos de las zaparrastras de andar por casa, nos pusimos monos y, cual adolescentes malotes, nos fuimos hasta el centro comercial.

Comilona rica y cine, el plan perfecto. Rapidamente elegimos una película española que tenía buena pinta en los trailers que habíamos visto y de la que apenas teníamos referencias, Mía Sarah.

Lo que nos encontramos al llegar nos sorprendió mucho, y de manera muy positiva. Para empezar un puñado de actores en estado de gracia. Fernando Fernán Gómez con un papel entrañable. Manuel Lozano, al que no había vuelto a ver desde “La lengua de las mariposas”, con la voz cambiada pero la misma mirada expresiva y atenta a todo lo que le rodea. Daniel Guzmán, el novio de la pija de “Aquí no hay quien viva”, explotando sus facetas cómica y sensible de manera impecable. Verónica Sánchez, la hermana mayor de “Los Serrano”, más acertada de lo habitual y con una sonrisa y una mirada que logran traspasar la pantalla. Y Diana Palazón, de la serie “Hospital Central”, con un secundario genial, de esos por los que se pelean los actores.

La historia, posada en un ambiente mágico, entre estanterías que huelen a historias a la luz de una vela y las empedradas calles de alguna ciudad gallega, discurre entre un niño que sufre agorafobia mientras transcribe la historia que su abuelo le narra cada noche, una hermana mayor cargada de paciencia y de problemas y un tímido psicólogo con métodos muy particulares y una curiosa relación con su ex-novia. Las relaciones entre ellos dan forma a una historia entrañable, en la que por momentos se mezclan el mundo real con otro más onírico y absurdo.

Pero más importante aún que la historia, es cómo está contada. En alguna entrevista le he oído comentar a Daniel Guzmán que la película tiene un aire a Tim Burton, y quizá sea esta una definición que no le sienta del todo mal. Con una genial banda sonora que en determinados momentos suena a Danny Elfman, envolviendo siempre a la escena, y un humor por momentos surrealista que se engarza perfectamente con la parte dramática de la historia, sí se da un aire a películas como “Big Fish” de Burton, o “Amelie” por ese buen rollo que te dejan al salir del cine.

Quizá hacia el final de la película, la historia se vuelve algo confusa buscando el final adecuado, pero no importa en absoluto. El director y co-guionista Gustavo Ron, ya nos ha metido de lleno en su mundo y estamos dispuestos a perdonarle todo.

Como únicas notas negativas, dos apuntes.

Primero: el cartel de la película. Absolutamente horroroso, no tiene nada que ver con lo que vas a ver. No se quien se dedica a la promoción de las pelis españolas, pero que no haga nada más por nuestro cine, que ya tiene suficientes problemas. He decidido hacer un mini-collage para poner en la página antes de poner la horterada de cartel (lo se, que tampoco es ninguna maravilla).

Segundo: ¿por qué el proyector de un cine nuevecito, con los últimos avances, hace tanto ruido? La verdad es que muy a menudo se tiene muy poco en cuenta la comodidad del público en la sala. Menos mál que entre la música, siempre presente en la película, y la risa de Eli, que no podía parar, no quedaba mucho protagonismo para el chirrido del proyector.

Otro salto. Otra batalla ganada. Otra asignatura aprobada.

Y solo queda una... y un proyecto.

Esto es el final...

Iba a ser mucho. Con lo complicado que es encontrar buenas ideas para películas de terror, lo que me iba a asustar de verdad es que en una serie de seis, todas fueran buenas.

Lo paradójico del asunto es que justo la película del que ha ideado todo esto sea la primera que flojee. Y no es solo que flojee, es que no hay por donde cogerla. Así que me parece a mí que este post será breve.

La película en cuestión es “La culpa” de Narciso Ibáñez Serrador. Su argumento parte de una enfermera soltera, con una hija pequeña y pocos medios para criarla que se traslada a vivir con una ginecóloga convirtiéndose así en su ayudante.

No hay absolutamente nada que tenga sentido. Las situaciones son forzadísimas, como faltas de ideas. Por ejemplo: la médico le está enseñando toda la casa. Pasan por delante de una puerta cerrada con llave y se oye un golpe al otro lado. Una le dice que cree que ha oído llamar y la otra le contesta que no importa. Y ambas se piran de la escena como si no hubiese pasado nada.

Los diálogos son tan poco naturales como ver al Ronaldo con un sándwich vegetal en la mano. El final es absolutamente horroroso. Los momentos de tensión dan la risa. Los actores, no creo que sean malos, de hecho la doctora está interpretada por Nieve de Medina, impresionante en "Los lunes al sol". Pero es que parece como si los hubiera dirigido su peor enemigo. Vamos, que nada es rescatable.

Y para colmo dos cositas. Por un lado la mentalidad, o moraleja, o trasfondo de la película está trasnochado, como aquellas viejas historias de terror en las que toda pareja que follaba fuera del matrimonio acababa muerta de manera macabra, y por otro hay un pseudo-homenaje a “El resplandor”, de Kubrick, que queda tan breve y cutre que no se muy bien que pinta ahí.

En fin, me cuesta hablar mal de una peli que ha hecho Chicho, porque me cae bien este tipo, pero es que no hay por donde cogerla. Es más bien una película para quedarse dormido.

Para rematar, como de la peli no me queda nada por comentar, os voy a remitir a un post que merece la pena leer. Para el que le interese, se va aquí a la derecha y entre el puñado de blogs pincha en “El evangelizador: el padre Apple”. Luego buscáis uno titulado “Menos Powerpoint y más economía”. No tiene desperdicio.

¿Que le han hecho a mi Bond que me lo han cambiado?

Voy a empezar en plan Risto Mejide y criticar a un sector del público al que no entiendo en absoluto. Son aquellos que van a ver la peli de 007 de turno y cuando salen te sueltan: “pues no me ha gustado nada, es una fantasmada”. Tío, que esperabas, ¿cine social? Si has visto alguna, ya sabes de que pie cojean y si te pueden gustar. No te gastes el atraco de los seis euros si lo que te gusta es Fernando León, o Ken Loach. Las películas de James Bond son gadgets imposibles, acción a raudales, la ironía y la elegancia propias del mejor agente al servicio de su majestad, persecuciones en coches ingleses y chicas espectaculares.

Pues a alguien le debe haber dado pena ese sector del público y ha decidido hacerle un lavado de cara al agente británico. Para ello han conseguido los derechos de la primera novela de Ian Fleming, que solo había sido llevada al cine en plan comedia con Woody Allen, David Niven y Orson Welles como actores, con la excusa de hacer una precuela en la que se muestre como se convirtió James en Bond… James Bond.

Para ello han cogido a un actor que se sale de lo que hasta ahora nos había quedado en la retina de lo que debía ser un buen 007, Daniel Craig.

Esto desencadenó en su día una avalancha de críticas y de mofas hacia el actor. Se decía de él que no tenía la elegancia necesaria, que no sabía conducir ni jugar a las cartas, que en el rodaje se le habían roto unos cuantos dientes o que se había quemado con el sol del desierto. Hasta se puso una página web en la que cualquier cosilla que desacreditara al actor aparecía rápidamente: craignotbond.com.

Casi de forma simultánea surgió una segunda corriente en la que se ensalzaban las cualidades del actor, diciendo que se implicaba de forma total en las escenas de acción, que era un actor más dramático que sus antecesores confiriéndole una dimensión más profunda al personaje y que iba a ser una película que engancharía a nuevas generaciones a la saga. Esta corriente también tuvo su página: givecraigachance.com.

Leyendo por ahí las críticas de la película me encuentro con que casi todas la ensalzan. ¿Afán por llevar la contraria al pueblo medio, Sony ha untado sus plumas o realmente se han marcado una buena precuela?

Pues nada, dispuesto a darle una oportunidad al payo, me fui a ver la película.

Primera decepción, los famosos títulos de crédito que arrancan toda película de la saga, imitados hasta en alguna secuela de torrente, desaparecen. Se sustituyen por un compendio de imágenes de siluetas de peleas que se transforman en cartas.

Vale, bien, paciencia, empieza la peli. La secuencia inicial siempre mola un puñado. En este caso quizás es menos espectacular a nivel de efectos especiales pero hay una persecución de las que te dejan con la boca abierta. Volvemos a tener esperanza nos agarramos a la butaca.

Y a partir de aquí todo decae. Los pretendidos guiños al espectador de toda la vida, de cómo Bond adquiere sus costumbres, su coche, su bebida, sus frases, todo está metido de forma forzada. El argumento se enrevesa demasiado a lo largo de las dos horas y media (¡!) de película. Daniel Craig se olvida del estilo y se centra en un personaje más brutote que tiene más cardenales que el vaticano. Desaparecen por completo los gadgets. El malo es una parodia que no engancha (uuh, meto un montón de miedo porque lloro sangre…). Los giros de guión no sorprenden demasiado. La relación con su compañera, que intenta ser un toma y daca de diálogos sagaces y contestaciones rápidas e inteligentes se queda tan solo en eso, en un intento.

A pesar de todo lo dicho, no es una mala película de espías… si no estuviéramos hablando de nuestro querido doble-cero al servicio de su majestad, claro está.

Si habéis leído en algún momento el blog de Magú en estos últimos días, sabréis que hemos estado este macropuente en Bilbao, visitando a Paulino y Sonia. Sobra decir que como siempre nos han tratado como a marajás y que estamos deseando que vuelvan a Madrid para estar más tiempo con ellos, riéndonos, debatiendo de lo profundo y de lo absurdo y disfrutando de su compañía. Pero para el que quiera una crónica más pormenorizada del puente que vaya al blog de la abogada.

Para lo que yo estoy aquí (y me refiero a mi blog y no a la vida en general, que lo segundo aún no lo he descubierto) es para contaros que, además de intentar ver la tele en Euskera, hemos ido al cine. Además, hemos ido a ver una película de la que no teníamos apenas información, salvo que algunas críticas la ponían bastante bien, Déjà vu.

La verdad es que no me había preguntado por qué no disponía de información de dicha peli cuando leo revistas de cine mensualmente, me trago la cutre-revistilla de información de la cartelera que te regalan en muchos cines y me quedo como un idiota observando la caja tonta cada vez que sale algún trailer o información del tema.

La razón la encontré una vez que salí de la sala. No se puede contar nada de la película sin quitarle la magia. En el momento en el que te dicen que vas a ver un drama, o una peli de acción o lo que sea, están condicionando la visión que vas a tener de la película.

En este caso yo creo que lo mejor es ir a verla con la mente virgen. Por lo tanto la duda que me surge es la siguiente: ¿como haces la crítica de una peli de la que no puedes destripar absolutamente nada? Pues no tengo ni la menor idea. Probemos.

A ver, Denzel Washington es el protagonista. Eso puedo decirlo. También que está ambientada en el Nueva Orleáns post-Katrina, lo cual no es para nada relevante en el argumento. Perfectamente podría ambientarse en el Madrid pre-olimpiadas (je je) o en cualquier momento y lugar. El director es Tony Scott, hermano de Ridley Scott, el de Top Gun, Dias de trueno o El fuego de la venganza.

Bueno, y la peli parte de... un suceso desencadenante... va de polis que investigan... con abundantes giros de guión… y eso, que hay que verla. Lo que si puedo decir es que tiene una estructura compleja y requiere atención constante, lo que provoca que las dos horas que dura se te pasen en un santiamén, a pesar del gusto del director por mover la cámara a un lado y al otro como si se tratase de un videoclip. Y lo que también diré es que a los cuatro que fuimos nos encantó y nos tuvo discutiendo sobre ella hasta bastante después de los títulos de crédito.

Esto me hizo echar de menos a gente. A Xurxo y su pasión en el debate, a Pibi y sus originales puntos de vista, a Hervella y su memoria o a Jorge y su afición a diseccionarlo todo. Podría poner la mano en el fuego a que a los tres primeros de la lista os va a gustar, y en cuanto a Jorge... ni idea. Depende del día, je je.

En fin, que a mi me encantó... aunque tras una ardua discusión con mis acompañantes yo sigo en mis trece. La peli tiene un fallo!! Ya lo discutiré con el resto.

Nueva cita con el universo de Woody Allen, con su más viejo estilo, con las comedias de siempre… y con Scarlett Johansson, como no. Hemos ido a ver Scoop.

Para empezar, he de reconocer que me gustan más aquellas películas de Woody Allen en las que no sale Woody Allen. Me gustó mucho Acordes y Desacuerdos, aquella en la que Sean Penn hacía de un virtuoso de la guitarra y me rechifló Match Point, un drama que se salía del estilo de su filmografía y con el que encandiló a medio mundo el año pasado. Era complicado volver de nuevo a este nivel, sobre todo yendo a peli por año, como va desde hace un montón de tiempo, y a mi entender no lo hace. De todas formas ambas películas no son comparables, siendo de dos estilos totalmente diferentes (¿y entonces para que las comparas? Preguntaréis algunos… pues yo que se, naturaleza bipolar).

A pesar de ello, en su retorno al cine que más le define no lo hace mal. Vuelve a ese tipo de comedia plagada de absurdo, de diálogos ingeniosos, de situaciones curiosas y Woody vuelve a hacer… pues de él mismo. Y la verdad es que eso lo hace muy bien.

El argumento trata de un periodista que, recién muerto, y en medio de su viaje hacia la otra vida, se entera de un posible notición, un asesinato, una última primicia que podría coronar una carrera llena de exclusivas.

Para poder sacarla a la luz, se escapa momentáneamente de la muerte y contacta con una joven aspirante a periodista para que pueda desenredar la madeja, descubrir al culpable y hacerse con la primicia.

Como veis, el planteamiento parte del absurdo para discurrir fluidamente entre Woody contando chistes y Scarlett poniendo muecas. Quizá ella está un poquito sobreactuada, pero se le perdona todo. Una media sonrisa de esta chica ya es capaz de llenar tres pantallas y media de cine, pero de las grandes.

Me comentaba Jorge, que aunque él siempre se ha fijado más en las caras hay una escena de Scarlett en la piscina en la que no fue capaz de mirarle por encima del cuello. Como ya estaba alertado, me fijé muy atentamente en dicha escena, y ahora puedo decir que yo dudo de que en ese momento ni siquiera tuviera colocada su cabeza encima de los hombros.

Con respecto al resto de actores, hablar de Hugh Jackman, que interpreta a un aristócrata inglés, intentando dejar un poco de lado su papel de Lobezno… y ya está. Donde otros necesitan liar las cosas y llenar el argumento de personajes, el señor Allen se monta una historia bastante buena con tan solo tres.

Por último os dejo con una frase de Woody Allen con la que me estuve riendo un buen rato, y que yo creo que pasará a los anales de frases históricas del director (no está sacada textualmente, pero aproximadamente decía así):

“Si, yo tenía mujer, pero me dejó porque decía que era demasiado infantil. Yo tenía un gran argumento, la iba a machacar, pero no me dejó hablar cuando levanté la mano”.