Hacía mucho que no contemplaba una película tan bestia y despiadada como la ópera prima de los franceses Alexandre Bustillo y Julien Maury. Una historia simple y sin efectismos, ligeramente deudora de aquel escalofriante personaje de Rebecca de Mornay en “La mano que mece la cuna”, pero recubierta de delicioso y descarnado gore. Un producto no apto para ojos sensibles (y no tan sensibles). Un puñetazo directo al estómago. Una gran obra del terror más bruto.

En la noche de navidad, una mujer a punto de dar a luz espera sola en su casa a la llamada de la naturaleza. Si todo va bien, a su llamada, un amigo se pasará por casa al menor signo de contracción. Pero en medio de la noche, recibirá la visita de una mujer con un objetivo muy claro: llevarse al niño que lleva dentro, aunque para ello tenga que operar con unas tijeras y sin anestesia.

A partir de aquí, se inicia un relato con el único propósito de angustiar y horrorizar. Una persecución entre una mujer fría y decidida y una perseguidora sin ningún atisbo de moral, encarnadas, cada una de ellas, por dos actrices perfectas para el papel. En el rol de perseguida, la hermana de Vanesa Paradis, Alysson Paradis, una víctima atípica. Nada de grititos y llantos sino la desesperación de una mujer fuerte, capaz de pelear con arrojo por salvar su vida y la de su bebé.

En el papel de perseguidora, Béatrice Dalle, una mala, con cara de mala y sonrisa difícil, de psicópata, que mete mucho más miedo que cualquier grandullón tras una máscara.

El resto, una gran dosis de mala leche, algunos litros de sangre, algunas imágenes a lo documental de la BBC del pobre feto indefenso sufriendo en el interior del vientre de la madre y una realización impecable, que tras un inicio pausado, descarga sobre el espectador un ritmo que no volverá a soltar hasta el final de la película.

Una oportunidad para pasarlo muy mal en una sala de cine (si es que se llega a estrenar en nuestro país) y para comprobar que el cine galo está haciendo grandes progresos en el cine de terror, aunque últimamente no tenemos nada que envidiarles, con productos propios como “3 días”, “REC” o “El orfanato”.

Las crónicas indican que Bustillo y Maury, los directores, se van a encargar a continuación del remake de esa referencia para el cine de terror salida de la fecunda imaginación de Clive Barker llamada “Hellraiser”. En general, no soy muy amigo de las películas rehechas (prefiero las “suecadas”, jeje), pero en este caso, creo que me pasaré por el cine para ver de qué son capaces.

Hay algunos directores de los que puedo decir que me fío al cien por cien, ya que aún no me han desilusionado con sus trabajos. Puedo considerar sus películas mejores o peores, pero siempre consiguen que salga del cine con la sensación de que ha sido dinero bien invertido y de que siempre seguirán entreteniéndome, interesándome o asombrándome. Por poner algún ejemplo, puedo nombrar a David Fincher (“Seven”, “Zodiac”), Guillermo del Toro (“Cronos”, “El laberinto del Fauno”), James Cameron (“Terminator”, “Titanic”), Brad Bird (“El gigante de hierro”, “Los increíbles”) o del que en esta crítica nos ocuparemos; el mejor adaptador de Stephen King que ha habido, el gran Frank Darabont.

Primero nos sorprendió a todos con la adaptación de “Cadena perpetua”, que se convirtió rápidamente en una de mis películas favoritas, para luego volver a dar en el clavo en “La milla verde”, otra de género carcelario desde un prisma totalmente distinto. Tras la desilusión de que su guión de la cuarta aventura de Indiana Jones fuese desestimado por el caprichoso Lucas, ha vuelto a la carga con la adaptación de un nuevo relato del genio de Maine. Esta vez, plasma el terror a lo desconocido y muchas de las obsesiones de King en “La niebla”.

En un pequeño pueblo de Maine (como no), gran parte de la pequeña comunidad se ve obligada a encerrarse en un supermercado ante la aparición de una misteriosa niebla que parece engullir a la gente.

Ante el miedo a lo desconocido y la angustia de encerrarse en un sitio tan desprotegido, las tensiones entre los vecinos no tardarán en aflorar de tal forma que no tardarán en darse cuenta de que el verdadero terror, no está de puertas afuera, sino en la propia naturaleza del hombre.

Darabont crea así una película de terror psicológico sin necesidad de grandes efectos especiales, ni de sustos para quinceañeros, ni de una música excesivamente histriónica. Le basta con mostrar a personajes humanos, con dobleces y con dudas y unos actores solventes, donde destaca por encima de todos la excelente interpretación de Marcia Gay Harden de una auténtica y genuina hija de puta, de las que son capaces de remover al espectador en su asiento deseando callarla de un puñetazo.

El guión está magníficamente ideado, instalando el ritmo de la película en un “crescendo” de ritmo y agobio, en el que verdaderamente nos llegamos a sentir dentro de ese frágil supermercado de barrio usamericano, deseando que todo cobre sentido en algún momento.

Cada parte del rompecabezas va ocupando poco a poco su lugar hasta que Darabont se reserva el lujo de colocar una última pieza final, desoladora y desesperanzadora, muestra de la estupidez que rodea al género humano y prueba irrefutable de que nuestro destino está guiado irremediablemente por la ley de Murphy.

Una película intensa y sin fisuras que nos hace pensar en lo que podrían haber dado de sí las aventuras del doctor Jones en manos de este gran creador de historias. Espero que la próxima semana no haya cabida para este pensamiento, cuando estemos en medio de la búsqueda de las calaveras de cristal, látigo en mano y disfrutando con nuestro reencuentro con el viejo arqueólogo.

Domingo por la tarde, te tiras en el sofá y lo único que te apetece es una peli que no exija demasiado trabajo para la materia gris. Así que uno piensa en mamporros, historias planas, chicas guapas y poca línea de diálogo. Tenemos dos opciones, o una porno o una de acción, así que optamos por la segunda, que tiene la clase de mamporros que nos interesa en este momento.

Revisando la dvdteca, me acuerdo de que en algún momento, quizá inspirado por este post de Lete, acabé comprando “Batman forever” y no había vuelto a revisarla desde su estreno en los cines. ¿Tenían razón las masas cuando afirmaban que la película no valía ni un bat-dólar o coincidiría con Lete pensando que la opinión generalizada se veía empañada por el truño que Shumacher dirigió a continuación sobre el caballero oscuro y que protagonizó George “Ocean” Clooney? Era el momento de comprobarlo.

Convencido de que al menos pasaría un rato agradable viendo a Val Kilmer enfundándose en el traje negro (no lo interpretéis mal, marranotes), repasé mentalmente las obras de Shumacher (el director, no el piloto) que había visto. Saltando “Batman & Robin”, una de las peores películas de superhéroes que han llegado a los cines, había visto “Línea mortal”, una peli que marcó mi infancia por lo acojonado que estuve con esos estudiantes jugando en la frontera de la muerte, “Elegir un amor”, un pastel con Julia Roberts y música de Kenny G. que se dejaba ver bastante bien, “El cliente”, probablemente la mejor que he visto de este hombre, “Tiempo de matar”, de aquella época en la que decían que el McConaughey iba a ser el nuevo Paul Newman (juas), “8mm”, un thriller normalito con Nicholas “Pelucón” Cage, “Llamada perdida”, más un ejercicio de estilo cortito y aprovechado que otra cosa y “El número 23”, un agobiante thriller y un cambio de registro para Jim Carrey que disfruté bastante. La media superaba el aprobado, esto no podía estar tan mal.

Tardé muy poco en darme cuenta de que mi último pensamiento distaba mucho de ser correcto. El inicio de la aventura, es uno de los peores arranques cinematográficos que he visto en mi corta vida. Tratando de emular a los cómics o a la mítica serie de los “Punch”, “Ouch” y “Splaaaash”, Batman trata de dar caza a Dos Caras, sin presentar personajes, sin tratar de dar cierta credibilidad a la escena y con un sentido del humor pueril y absurdo. Aquello pintaba mal.

Efectivamente, el resto de la película se me presentó cargada de sinsentidos, con una estética pulp totalmente alejada de las anteriores películas de Tim Burton, con un Val Kilmer soso y sin ganas que nos hace echar mucho de menos a Michael Keaton, con un Tommy Lee Jones histriónico, tratando de imitar todo el rato al inimitable Jack Nicholson, con una historia de amor entre Val Kilmer y Nicole Kidman fallida y sin garra, con la introducción de un Robin que nunca debió nacer en las páginas del cómic (Lete, aquí sí coincidimos de pleno) y sobre todo, con una trama con el invento de leer mentes de Edward Nygma (E. Nygma… estos guionistas de cómics siempre tan creativos) demasiado fantasiosa y absurda. ¡God bless Nolan por recuperar el espíritu!

¿Alguna cosa hay que me haya gustado de la película? Pocas, pero alguna hay. Jim Carrey dota a Acertijo de su personalidad y le da vida a ese bastón, con sus imposibles poses de dibujo animado y hay alguna referencia a la serie que tiene su gracia:

-“Holy rust iron, Batman” (Santo hierro oxidado, Batman).

- “What?” (¿Qué?)

- “This island is made of iron and is full of holes” (Esta isla es de hierro y está llena de agujeros).

Más o menos, ¿eh?, así de memoria.

En definitiva, me uno al pueblo llano al pensar que Schumacher la cagó dos veces al tratar de dar su punto de vista al oscuro Batman… eso sí, una de las veces más diarréicamente que otra.

¿Una película de género española sobre el fin de la vida por causa de un meteorito, que además se mezcla con una historia de psicópata que busca venganza ambientada en el sur? ¿Está usted loco? Anda, salga de mi oficina ahora mismo y dedíquese a rodar los cortos esos que ruedan los frikis.

Eso es lo que le debieron decir a Francisco Javier Gutierrez, el director de “Tres días”, su ópera prima, la primera vez que presentó en una oficina de algún millonetis su proyecto de dirigir esta obra apocalíptica.

Sin embargo, de vez en cuando se encuentran pequeños milagros y en este caso, a F. Javier Gutierrez le llegó uno con nombre y apellidos. Antonio Banderas, un tipo que a estas alturas no puede sino resultar simpático a todo el mundo, se interesó por el proyecto y lo apadrinó. Así que gracias a él, podemos presumir de una película de este estilo entre la cartelera española.

Ale es un tipo desencantado con su vida, un don nadie con miedo a las alturas y un cierto sentimiento de segundón por la sombra que desprende su hermano mayor, considerado un héroe en el pueblo cuando de joven consiguió reducir y posibilitar el ingreso en prisión de un peligroso homicida.

Pero toda su vida da un giro de 180º cuando escuchan la noticia de que el mundo será destruido en 72 horas al no poder evitarse la colisión de un gigantesco meteorito contra la tierra. El pánico cunde en las calles, la gente trata de huir en estas últimas horas y las prisiones se vacían con fugas masivas. Es el momento en el que Lucio, el asesino encarcelado por su hermano, tratará de vengarse y Ale deberá decidir si merece la pena luchar por su familia cuando todo está a punto de acabar.

Así pues, “Tres días” habla sobre el fin del mundo, pero no es eso lo más importante, sino un estudio sobre el instinto de supervivencia. ¿Por qué pelear para salvar a los que queremos cuando aún así morirán en los próximos días? ¿Es mejor bajar los brazos y dejarse llevar o tratar de salvar la inocencia de un niño hasta el final?

Esta duda moral del protagonista se mezcla con la clásica historia del sádico psicópata que amenaza a la familia aislada, con el aliciente de poder ver en acción a uno de los mejores villanos que existen en el panorama mundial. Eduard Fernández, nuestro Gary Oldman particular, un actor capaz de acojonar sobremanera con tan sólo una media sonrisa, ofrece una actuación soberbia, contenida, fría y amenazante, provocando que nos de mucho más miedo que cualquier meteorito.

Así la historia de Gutiérrez se vuelve claustrofóbica y pegadiza, entre el calor y la arena del apartado pueblo andaluz, donde sufrimos por un personaje descreído, cobarde y algo cabrón en un intento de redención y sinceridad antes de que todo se vaya a tomar por saco.

Quizá hay alguna parte oscura o confusa en el argumento, pero tampoco me molesta que no intenten explicarme absolutamente todo y dejen partes borrosas, así que casi ni pondría este punto como algo negativo.

Por fin, la abogada y yo, hemos tenido tiempo libre para acabar las dos temporadas de una de las series que más nos ha enganchado en los últimos tiempos. La historia de unos modernos y terrenales X-men, con ausencia de cualquier halo de épica que pudiera exhibir el cómic, con poderes que no logran controlar y, en general, ni siquiera quieren poseer, ha dado lugar al comienzo de una saga que parece que va para largo. “Héroes” no acaba más que empezar.

Todo comienza de forma similar a las páginas de los personajes creados por Stan Lee. Cada cierto tiempo, se producen saltos evolutivos en ciertas especies que llevan a sus individuos a adaptar sus habilidades para lograr sobrevivir. En este caso, le ha llegado el turno a la especie humana y empiezan a aparecer personas con cualidades extraordinarias. Un tipo que puede volar, otro que es capaz de detener el tiempo y teletransportarse, una chica que regenera sus heridas al instante, fuerza sobrehumana, traspasar objetos solidos…

El gran triunfo de la serie no se basa en una idea original, sino en dotarla de un nuevo punto de vista que consigue humanizar a los superhéroes. La identificación del espectador con los personajes es inmediata. Todos tendriamos los mismos problemas si en cierto momento se nos dotase con alguno de estos poderes y nos vieramos en la obligación de elegir un bando. ¿Querriamos salvar a la humanidad (“save the cheerleader, save the world”) o prefeririamos unirnos a los villanos y disfrutar de lo lindo con nuestra nueva habilidad?

Otra de las características de la serie que más me atraen es que se centra más la atención en las relaciones entre los distintos personajes y en darle vueltas y liar una historia, que comienza de una forma clásica, con malo malísimo y un objetivo claro, para ir cambiando hacia la segunda temporada en una complicada trama de organizaciones secretas, malos a medias y personajes oscuros y con intenciones poco claras, que en las peleas entre los héroes, efectos especiales y demás pirotecnia. Aunque esto también puede ser debido a que sea una producción para la televisión, más modesta en cuanto a presupuesto, a no ser que sea una producción histórica para la BBC.

Todo espectador tiene a alguien con el que identificarse. El héroe que se sacrifica por el bien de la humanidad, el personaje cómico e inocente, la madre sufridora, el sabio sin poderes, la joven buenorra y de buenos sentimientos y uno de los malos más perversos que ha dado la televisión en los últimos tiempos, que parece que volverá en la tercera temporada con más fuerza que nunca.

Quizá le ha pesado alguna mala decisión argumental al final de la primera temporada y una huelga de guionistas que precipitó el desenlace de la segunda y, aún así, unos personajes interesantes y unos intérpretes muy adecuados, mantuvieron el nivel a cierta altura.

Veremos qué nos depara el tercer episodio de la saga. Yo por lo menos, lo esperaré con impaciencia.

Cada cierto tiempo, como en las leyendas que se muestran en las películas ánime japonesas, cuentan los viejos que en el cine español surge una película diferente, refrescante, innovadora, visualmente atractiva y entretenida. Con un poco de suerte, esto no sucede una vez cada 100.000 años, cuando unas cuantas estrellas se alinean, sino que puede llegar a pasar una vez al año, incluso varias en temporadas extrañas.

El año pasado, hubo alguna obra que cayó en gracia a crítica, a público, e incluso a un servidor, como “Siete mesas de billar francés”, o “El laberinto del Fauno”, pero hubo una pequeña película, arriesgada, rodeada por fortificaciones usamericanas, que pasó desapercibida a casi todo el mundo.

Pasado un tiempo, el boca a boca empezó a extenderse y empezaron a llegarme noticias sobre las bonanzas de “Concursante” desde varios puntos. Ganas tenía de verla cuando, volviendo desde Valencia en tren, la película apareció en las pantallas del vagón. No eran las condiciones idóneas para disfrutarla, pero me puse los cutre-cascos de RENFE, giré el cuello hasta un ángulo casi imposible y centré mi concentración en la pantalla.

Lo que se desplegó entre el traqueteo del ferrocarril y los gritos de las madres poniendo en orden al Yosua de turno, explicaba perfectamente por qué la gente había empezado a hablar de aquella pequeña joya.

El argumento iluminado y original, el montaje sincopado, el humor esperpéntico, diálogos ágiles y la interpretación de un Leonardo Sbaraglia que cada día me atrae más como actor, convierten a la película en única y diferente.

Rodrigo Cortés, un Orensano (no es por presumir, pero como somos los gallegos…) de 35 tacos, autodidacta en esto de hacer pelis (el que vale, vale), con unos cuantos e interesantes cortos a sus espaldas, es el encargado de currarse el guión y la dirección de esta “rara avis” de visita obligada.

Cortés, de forma irónica, cachonda y ágil, realiza una disección atemorizante, ligeramente tramposa (supongo, soy un absoluto ignorante en materia económica) y cínica de la economía mundial y el papel de los bancos en la sociedad a través del personaje de Martín Circo, un profesor de economía que gana el mayor premio de la televisión en un concurso, iniciando una caída libre y descubriendo que, ser rico, a veces, es demasiado caro.

Martín relata en orden más mental que cronológico, siguiendo las pautas de su memoria, cómo se ve envuelto en una espiral de acontecimientos que escapan a su control, que lo envuelven y lo lanzan en una caída en picado desde su acomodada vida de profesor hasta un sinsentido provocado por un desafortunado golpe de suerte.

El montaje, el ritmo y el caos narrativo va aumentando y engullendo al espectador a medida que el protagonista se va sumiendo en todo el caos que provoca en su vida el premio del concurso, con lo que al final se acaba sintiendo la angustia y la locura que atrapa a Martín.

Tenemos la suerte de haber descubierto al Gondry español (aunque las comparaciones son odiosas), al que hay que seguir la pista con curiosidad. Su última aportación al mundo audiovisual, ha sido el cortometraje “Dirt devil” para Notodofilmfest.com, pero espero que encuentre rápidamente el camino para desarrollar una nueva película.

¡Productores, hagan bien su trabajo y denle pasta a este gallego!

Como si fuera una de las víctimas de la historia de carteristas que nos muestra “Ladrones”, siento como si sus creadores me hubieran robado algo. O por lo menos como si no me hubiesen dado todo lo que se me prometía.

A priori, todo hacía presagiar un gran film. Dos de los mejores actores jóvenes del panorama español, Juan José Ballesta y María Valverde, de esa clase de intérpretes que no se hacen, sino que nacen con las cualidades del que sabe transmitir historias sin necesidad de métodos ni clases de dramatización y de los pocos que no han salido del mundo de la televisión (dicho esto sin el ánimo de que suene de forma peyorativa) y un tema, el de los timadores, carteristas o gamberros empáticos, que conectan con el público de forma natural.

De golpe y porrazo, a todos se nos vienen a la cabeza títulos como “El golpe” o “Nueve reinas”, de los que se sale del cine deseando aprender a birlarle la billetera a un rico con un elegante y calculado encontronazo o estafar al mafioso más cruel de la ciudad con un brillante cambio de naipes en el momento oportuno.

Sin embargo, los derroteros que toma la película de Jaime Marqués son bien diferentes. No es el arte del timador lo que preocupa al director, sino la relación de un chaval con mala suerte y buen pulso de carterista con una aburrida adolescente de familia acomodada y mucho tiempo libre, y sin embargo, aunque también hubiera sido loable el camino, tampoco éste se explota demasiado.

En realidad, cuando acaba la película, uno se queda la sensación de que no le han contado gran cosa, tan sólo ideas sueltas, deshilachadas, algunas buenas y otras peores pero sin una trama central a la que apegarse.

La búsqueda del protagonista de una madre perdida, tratada a trozos, sin dar la ocasión al espectador de identificarse con el supuesto dolor de Ballesta y resuelta de una forma rápida y vacua; la relación del chaval con su nuevo jefe y las dificultades de sobrellevar su primer trabajo tras su salida del centro de acogida, que también se solventa de forma apresurada; las escenas de práctica en el oficio de carterista, abordadas sin fuerza, sin que nos apetezca probar a desvalijar al maniquí sin que lleguen a sonar los cascabeles y, por último, la relación imposible de dos seres que viven en dos mundos diferentes, que se sienten atraídos aún a sabiendas que todo acabará mal, que no pueden evitar buscarse, una para sentir la adrenalina de lo prohibido y el otro, para acariciar con la punta de los dedos la vida que nunca tendrá.

Demasiados puntos a tratar sin conseguir ahondar en ninguno de ellos y cerrándolos sin ningún tipo de emoción, encaminando la película hacia un final forzado, que trata de convertir al personaje de Ballesta en un anti-heroe sin fortuna y que no hace más que esbozar una desdibujada caricatura mil veces vista.

Ayer, a la abogada y a mí, nos cayó un regalo con la forma y el glamour de un preestreno que no esperábamos. Como dicen que es de bien nacido ser agradecido, la forma más natural de empezar este post dedicado al hombre de hierro es agradeciendo el detallazo a Ibán, por habernos cedido un par de pases VIP que nos permitieron pasearnos por la alfombra roja (sin conseguir sacar ni un solo flash de los fotógrafos) y estar a pocos pasos de distancia de famosos de tanto relumbrón como Emma Ozores, Gemma Ruiz o Lorena, ganadora de O.T. Como veis, la palabra “glamour” se queda corta para describir el evento.

Fuera ironías, lo que sí mereció la pena fue poder disfrutar antes que el gran público (un día antes, al menos) de una gran adaptación a la pantalla grande de uno de los héroes más míticos y queridos de la casa Marvel, al que mi amado Spiderman llama “cabeza de lata”, el héroe maldito hecho a sí mismo, sin mutaciones, sin picaduras de insectos, sin radiaciones fortuítas: Tony Stark, alias Iron Man.

La estructura de la película es simple. Millonario aburrido, alcohólico, fabricante de armas y ausente de moral es secuestrado y se da cuenta de que su vida no tiene mucho sentido. Como es un manitas y tiene pasta y tecnología punta para jugar, se hace un traje de hierro para zurrar a los malos sin compasión. Tras las clásicas pruebas, empieza a cogerle el tranquillo, para al final enfrentarse a un archienemigo más grande y más fuerte en una soberbia batalla final.

En efecto, como digo, la fórmula de la película es la vista en mil y una ocasiones, tanto en el cine, como en los libros o hasta en los videojuegos. Pero da igual, porque en este caso, el carisma de un Robert Downey Jr. al que el traje le viene como un guante, los toques de humor finamente engarzados con acción y efectos especiales a raudales y todos y cada uno de los actores secundarios, funcionan a las mil maravillas.

La introducción es lo suficientemente larga como para que nos interese lo que le pase al protagonista. La construcción del traje se toma con tiempo y los personajes tienen tiempo a definir sus personalidades, lo que denota un guión trabajado, sin las prisas y la falta de inteligencia de algunos de los subproductos heroicos que poblaban la cartelera hace poco, como la infame “Spiderman 3” o el capítulo que supuso el desmantelamiento de la franquicia de los 4 fantásticos.

Parece que los fabricantes de imágenes se dan cuenta, de vez en cuando, de que una buena peli de acción y fantasmadas no puede constar solamente de eso, imágenes e imágenes generadas por ordenador a ritmo vertiginoso que bombardeen al espectador. Sin una historia medianamente hilada, sin personajes que conecten con el público, sin un descanso entre rijostio y rijostio, la película se transforma en un sinsentido adrenalínico pero sin interés.

La nota negativa la pone quizá la química, o más bien la ausencia de química entre Gwyneth Paltrow, que hace de la eficiente secretaria de Stark, y Robert Downey, quienes juntos protagonizan algunos diálogos bastante cogidos por los pelos.

A pesar de esto, parece que tenemos nueva franquicia por delante. Esperemos que el gigante verde de Edward Norton nos depare un sabor tan dulce como el que deja el hombre de hierro.

Tras un montón de películas vistas sin tener que pensar en qué contaba sobre ellas, volvemos de nuevo al tajo. A darle a la neurona para aburriros con mis paranoias post-film que nunca despejan la duda de si deberíais gastaros la pasta en ir a ver la película. Espero sacar tiempo todas las semanas para dejar nuevas aportaciones en Nunca Jamás, aunque no sea con la frecuencia de los buenos tiempos.

Para el regreso, la película elegida es “Cashback”, un cortometraje convertido en largo que viene precedido por una de las peores campañas de marketing que he visto nunca. Carteles horribles y sinopsis que no se corresponden en absoluto con la realidad son las armas de las que ha dispuesto esta obra del novato Sean Ellis para llegar al público. Menos mal que, en este caso, el boca a boca y la buena acogida en algunos festivales ha decidido a bastante gente para pagar los 7 eurazos de la entrada, porque si no hubiera durado en cartelera lo mismo que una alabanza a Zapatitos en Telemadrid.

Así que, superando el terror hacia el póster promocional, donde se muestra a una mujer en tetas en mitad de un supermercado, he ido a ver la película y lo que me he encontrado es una mezcla de géneros bastante variopinta, un argumento con buenas bases pero demasiado estirado, a mi juicio, y un ramillete de actores jóvenes muy resultones.

El argumento: un chaval sufre insomnio por culpa de haber roto con su novia, así que, mientras intenta aprovechar ese tiempo extra de vida trabajando en un supermercado en el turno de noche, se da cuenta de que es capaz de detener el tiempo a voluntad. Así, aprovecha para admirar la belleza a su alrededor y alimentar su espíritu de pintor y para reflexionar en como evoluciona la vida a su alrededor, con el aliciente de estar rodeado de personajes bastante variopintos.

Ah, sí, durante unos diez minutos de la película (que dura algo más de hora y media), se cuenta como el protagonista, admirador absoluto de la belleza femenina (y quién no), puede, en esos periodos de tiempo congelado, desnudar a las chicas que se encuentra para dibujarlas en su cuaderno. Pero parece que esto es lo único que ha llamado la atención a una gran parte de los críticos que he leído, así como al lumbreras al que encargaron el cartel.

Lo cierto es que, a pesar de la anécdota, la película discurre en un pausado ritmo de película independiente, con algún deje hacia la tragicomedia romántica y muchos gags que se aproximan de forma asombrosa hacia un humor bastante español y muy poco británico, del estilo friki que podíamos contemplar en películas como “La fiesta”.

Los personajes se dividen claramente entre los dos protagonistas, encarnados por Sean Biggerstaff, conocido por compartir colegio con Harry, Hermione y compañía y Emilia Fox, habitual en papeles victorianos en la televisión británica, que forman la parte racional de la película y el puñado de frikis que ponen la nota delirante y acumulan los momentos más graciosos de la trama, como el salido amigo del prota, los absurdos compañeros de trabajo en el supermercado o el histriónico y prepotente jefe.

Como nota negativa, en algunos momentos, noté demasiado que el film nacía de un corto, ya que hay partes demasiado estiradas para poder llegar a rellenar la hora y media larga de película. Si se hubiese quedado en 15 minutos menos, tampoco hubiese pasado nada.