Bienvenido a Nunca Jamás

No lo puedo remediar, me gustan los musicales. Me gustan en general, pero si son de esos alegres, que sabes que van a acabar de la mejor manera posible y, encima, de los que de repente todo el mundo se sabe la coreografía y se pone a bailar al unísono, me gustan aún más. Me emociono con las canciones horteras cantadas por actores conocidos y me entrego a la historia sin titubeos. Será que me gusta lo absurdo, que en el fondo soy más cursi que Calimero con tutú o que es fácil hacerme feliz, pero el caso es que me gustan.

Con este denigrante currículo, es obvio que no puedo ser demasiado objetivo con “Mamma mía!”. A pesar de que la historia sea de las mil veces vista y de que los protagonistas jóvenes sean más sosos que Piqueras con depresión, ahí están las canciones de Abba y ese trío femenino y maduro protagonista que me han dado momentos para la carcajada o la sonrisa perenne.

La historia puede resumirse en unas pocas líneas. Una joven de tan sólo 20 años está a punto de casarse (¡que valor!) y decide que es hora de descubrir quien es su padre, así que les manda una invitación a tres posibles candidatos a espaldas de su madre. Evidentemente, cuando los tres individuos llegan, todo se empieza a liar.

Si hay una protagonista mayor que las canciones del grupo sueco, esa es Meryl Streep. Ha llegado un momento en el que, haga lo que haga, esta señora lo borda. Cae simpática en cuanto se lo propone, se come a cualquiera que esté a su lado en cualquier escena y encima no canta nada mal. Gran parte de la película se sostiene gracias a ella y a sus dos amigas en la ficción, interpretadas por Julie Walters (“Billy Elliot” o la saga de Harry Potter) o la más televisiva Christine Baranski, que son un verdadero terremoto y dan lugar a los gags más divertidos de la película.

Por detrás de ellas, siguiéndolas a una distancia prudencial, está el trío masculino. Mucho más comedidos, con menos presencia en pantalla pero con algún momento para el recuerdo como el comprobar lo mal que canta el pobre Pierce Brosnan, que se toma el papel con mucho humor y tirando de su flema irlandesa, o el desenlace del personaje de Colin Firth, con su habitual cara de no haber roto nunca un plato.

Aparte de esto, aún no habiendo visto la obra de teatro, sospecho que no se sale demasiado su planteamiento, llegando a veces a dar la impresión de ser la misma obra filmada en un escenario enorme, incluso con una especie de interrelación entre la pantalla y el público al final de la película a cargo de la Streep que queda bastante forzada.

En definitiva, nada nuevo aporta este musical, aunque gracias a su plantel sale un film entretenido sin más pretensión que la de hacer pasar un buen rato al espectador meneando el pie al ritmo de las conocidas canciones setenteras del famoso cuarteto sueco.

Regreso de las vacaciones blogueras y currantas con una de las películas más esperadas de este año. Mucho se ha escrito sobre ella antes de que yo me acomodara en una sala a contemplar el nuevo acercamiento de Christopher Nolan sobre el hombre murciélago. Ya había leído titulares que encumbraban a la película por todas partes. Que si es la mejor adaptación de un superhéroe jamás hecha, que si es una obra maestra, que si la actuación de Heath Ledger le encumbra como uno de los mejores villanos del cine, que si la densidad y profundidad de la película, bla, bla, bla…

Claro, así uno no puede dejar de crearse expectativas y entrar en la sala con la idea de que va a asistir a un hito del cine. El caso es que al salir, dos horas y cuarenta minutos más tarde, mi sensación era la de haber visto la mejor adaptación de un superhéroe jamás hecha, una obra maestra y un villano que ha pasado a formar parte de mi lista de malos preferidos desde su primera aparición.

¿Qué hace de “El caballero oscuro” merecedora de tales elogios? En primer lugar un argumento casi perfecto, deudor de las mejores películas de intrigas policíacas, con un tratamiento de los personajes principales – a saber, el propio Batman, su antagonista el Jocker, el teniente Gordon y el fiscal Harvey Dent – excepcional y una acción perfectamente engarzada entre un puñado de historias que se complementan y enriquecen lo que se nos está contando.

En segundo lugar, una dirección excepcional. Christopher Nolan está entrando con paso firme entre mis directores fetiche (sí, al lado de Tim Burton, David Fincher o Michel Gondry). Tiene un pulso único a la hora de contar una historia, pocas veces da tregua al cerebro del espectador, que recibe información de forma ininterrumpida y los montajes de las películas son adrenalínicos.

El resto es coser y cantar para que sea una gran película, pero si encima tenemos a unos cuantos actores en estado de gracia – sobresaliendo por encima de todos ellos un inquietante Heath Ledger – unos efectos especiales solventes y sin estridencias y una puesta en escena impecable, pues al final nos encontramos con que 2 horas y medio largas se convierten por arte de birlibirloque en un suspiro sin parpadeos.

Por si fuera poco, el guión de los hermanos Nolan se permite el lujo de plantearnos cuestiones filosóficas al estilo de los grandes comics de la historia – “Watchmen”, “V de Vendetta” – sobre la justicia, la soledad, el honor o lo ético que sería que un encapuchado al margen de la ley tuviera potestad para limpiar las calles de delincuencia.

La película arranca poco después del final de “Batman begins”. Batman es casi el único aliado de un comisario Gordon incorruptible que intenta mantener Gotham City limpia rodeado de policías enterrados hasta las cejas de asuntos turbios. Es entonces cuando entra en escena un criminal sádico, chiflado y sin más motivación que sembrar el caos y la destrucción a su alrededor que reta a Batman a un macabro juego en el que el enmascarado de la capa deberá decidir si debe entregarse y dejar que la ley actúe o bien seguir peleando mientras la sociedad a la que trata de salvar empieza a dudar de su buena fe.

En esta historia se entrecruza la figura de Harvey Dent, un fiscal íntegro que se pone del lado de Gordon y Batman para tratar de reducir la criminalidad de la ciudad y la de Rachel Dawes, pareja de Dent y amor de toda la vida de Bruce Wayne, que tendrá un peso clave en el desarrollo de los acontecimientos.

Así que, para finalizar, una recomendación a todos aquellos que aborrecen las películas de superhéroes. Dejad de lado vuestros prejucios, id a verla, intentad imaginar que Batman no sale disfrazado con una capa y quitadle mentalmente el maquillaje al Jocker. Es entonces cuando os encontraréis con una película oscura, entretenida y densa.

Epílogo: más miedo que el maquillaje del Jocker, me dan los ojos pintados del alcalde de Gotham. ¿A quién se le ocurrió la idea de ponerle rimel a un señor tan distinguido?

Parece que cada crítica de película de animación que veo últimamente la empiezo igual. Si es de Pixar, alabando hasta el endiosamiento su guión, su sentido del humor y su perfección técnica y si no lo es… comparándola con las de Pixar.

Y es que la diferencia a la hora de abordar una película de dibujos entre la compañía de Luxo Jr. y el resto es tan abrumadora que parece que juegan en ligas distintas. Esto no quiere decir que “Kung Fu Panda” sea una mala película, tan sólo que desde que uno prueba el guiso de la abuela, hecho con mimo, puesto al fuego el tiempo suficiente, elaborado con materias primas de calidad superior y con su toque personal, el resto de guisos saben a poco.

En este caso, los responsables de “Shrek”, “Madagascar” o la infumable “Ratónpolis” se van hasta la lejana china para contar la historia de Po, un oso panda que sueña con ser un hacha del kung fu y pelear al lado de sus ídolos, “los cinco furiosos”.

La evasión de la prisión del malvado Tai Lung provoca que el maestro Oogway vaya a elegir a un nuevo “guerrero del dragón”, un luchador de kung fu perfecto, poderoso y valiente que descubra el milenario secreto del pergamino del dragón, pueda partirle la cara al malo y salvar a los habitantes del valle de su furia. El problema es que, parece que el sabio maestro chochea y elige al gordinflón y payaso Po para ocupar tal lugar, con el consiguiente cabreo del maestro Shifu y sus cinco alumnos.

A partir de ahí, nada novedoso. Gags visuales centrados en un personaje central simpático y torpón que gana con el excelente doblaje en castellano de Florentino Fernández, uno de esos tipos que parece que han nacido para ponerle la voz a dibujos animados. Una historia de superación, demasiado apresurada, que da la impresión de que todos podemos llegar a ser lo que queramos sin demasiado esfuerzo, tan sólo con sentido del humor y alguien que crea en nosotros. Y por último, una animación muy buena, tanto que nos mete sin dificultad en las luchas entre los animales.

El problema es que, tras una buena idea central, el guión se difumina paso a paso sin centrarse demasiado en nada. Los personajes que rodean al panda, que tan buen juego podían haber dado, se quedan en meros secundarios que apenas tienen frases ni tiempo para despertar simpatía en el público (¿como habrán aceptado Lucy Liu, Jackie Chan o Seth Rogen doblar tan sólo un par de frases en toda la película en su versión original y cuanto les habrán pagado por ello?). El protagonista absoluto es el panda y sus payasadas y parece que con eso está todo hecho.

En cuanto a las payasadas, pues hay de todo. En general son demasiado infantiles y se basan en ver a nuestro torpe protagonista golpeándose con toda clase de obstáculos, aunque hay alguna que sí consiguió arrancarme carcajadas, como la de la sesión de acupuntura, en la que creí que ni yo ni la abogada podíamos parar de reir.

El resultado final, es el que llevo pensando de las películas de Dreamworks Animation desde hace mucho tiempo. Que no le dedican el tiempo suficiente a pulir la historia, que son una mera fábrica de largometrajes animados sin verdadera alma, que se molestan más en mejorar técnicamente que en buscar la trama adecuada, que no acaban de considerar al público infantil como un ser del todo racional y que siguen tratando al género de animación como una obra menor, no comparable a un largometraje con actores reales.

Todo esto pesa en su contra y hasta que no acaben de entender que el género debe ser tratado con el mismo respeto que cualquier otro, seguiré comenzando mis críticas a sus largometrajes animados con una comparación.

Por fin. Posts, festivales internacionales y lágrimas le han costado a Nacho Vigalondo ver su ópera prima estrenada en la cartelera nacional. Una obra llena de pasión, con poco presupuesto, pocos actores, muy imaginativa y apartada de los blockbusters que recaudan dinero a espuertas durante el verano. De esas apuestas arriesgadas a las que ningún productor o exhibidor quiere agarrarse y que ha llegado a buen puerto gracias al buen hacer y a la excelente autopromoción que ha llevado a cabo el director.

El que aproveche para acercarse a un cine y comprobar en que consiste el salto al largo de este extravagante autor, se encontrará con una peli entretenida, sin más pretensión que la de currarse una buena historia de género fantástico, al estilo de aquellos capítulos de “Cuentos asombrosos” que tanto me gustaban cuando era peque.

Una tranquila tarde, Héctor (como no va a caer bien un protagonista con este nombre) observa desde el jardín de su casa, una curiosa escena con unos prismáticos. Una joven, se desnuda a lo lejos y a continuación, desaparece. Cuando Héctor, movido por la curiosidad, se acerca al lugar para echar una ojeada, descubre a la muchacha inconsciente en el suelo y a continuación es atacado por un extraño individuo con la cara tapada por una venda de color rosa.

Al tratar de escapar, se verá envuelto en una extraña pesadilla de la que tratará de escapar con la ayuda de un misterioso científico, mientras averigua el misterio de la muchacha y de la momia asesina.

Intentar sorprender al público con una historia de ciencia ficción a la antigua usanza hoy en día, es una tarea arriesgada. Los espectadores ya no son aquella masa inocente que se asombraba con las historias de extraterrestres de los años 50, con científicos locos que realizaban horribles experimentos sobre aterrorizadas víctimas o monstruos que vivían debajo de las camas de rubias adolescentes.

El cine de género puro, vive horas bajas y la industria intenta atraer a las salas a un público más formado y con mayor cultura cinematográfica con mezclas de géneros y argumentos más densos. Los superhéroes ya no son héroes que salvan el mundo, sino hombres con problemas personales que intentan evitar su destino, las obras de ciencia ficción vienen cargadas de dobles sentidos y críticas hacia el mundo en el que vivimos, los buenos son menos buenos y los malos tienen sus motivos para provocar el caos. Cualquier película, por pequeña que sea, lleva su doble lectura debajo del brazo.

En ese sentido, “Los cronocrímenes” supone un soplo de aire fresco en cuanto a inocencia, pureza y amor hacia el género fantástico se refiere. Se nota que a Vigalondo le encantan las historias clásicas y se toma la molestia en idear una que mantiene enganchado de principio a fin. Nada de lecturas complicadas, nada de personajes repletos de claroscuros, nada de finales moralizantes. Tan sólo una historia amena, un puñado de actores con muchas ganas dando forma a la misma y unos cuantos giros de guión que provocaron que estuviera a cada momento intentando imaginar cual sería el siguiente paso del puzzle.

Si queréis volver a sentiros niños, si aún disfrutáis de películas como “El hombre con rayos X en los ojos”, “El hombre menguante” o los capítulos de “El doctor Who”, si no sois de los que intentan buscar la trampa a cada instante en las películas de ciencia ficción y tan sólo os dejáis llevar por la pericia del autor, ésta es vuestra película.

Aprovechad ahora, e id a verla antes de que sintáis la tentación de hacerlo cuando lleguen los usamericanos con su remake. Seguro que será más espectacular, pero también es seguro que no conseguirá el nivel de complicidad de una obra hecha desde la pasión friki de un director entusiasta.

Tras abrir una nueva saga de la literatura infantil hace tres años con “El león, la bruja y el armario”, Andrew Adamson, director de las hilarantes “Shrek” y “Shrek 2”, continúa el viaje a través de Narnia con otro de los libros de la saga: “El príncipe Caspian”.

¿Qué puedo escribir sobre un producto que no ofrece más novedad que el de ver a aquella reportera de “Periodistas” con mucho carácter en un escueto papel de reina consorte? Todo es previsible, rutinario y suena a mil veces visto. La factura es impecable, los actores jóvenes planean entre la corrección y la sosez, los efectos especiales son impolutos pero sin grandes alardes y la historia se centra en los típicos valores de superación, amistad, honor y buenos sentimientos que campan en este tipo de producciones.

La historia trata de ser algo más oscura que su predecesora, poniendo menos énfasis en los personajes simpáticos y entrañables y desplazando el punto del observador, desde los ojos de la hermana pequeña, como sucedía en “El león…” hacia una visión en tercera persona de los acontecimientos.

Los cuatro hermanos protagonistas de la primera parte, están de nuevo en Londres, han vuelto a ser niños y no pueden evitar soñar con volver al universo fantástico de Narnia, donde eran poderosos, respetados, admirados y no  como en Londres, donde no son más que simples niños en un mundo de adultos infestado por la guerra. La llamada de un cuerno de caza hace que esto sea posible y volverán al reino mágico para tratar de ayudar a los Narnianos en su lucha contra los hombres, que quieren acabar con ellos para siempre y destruir todo lo que de magia quede en el reino.

Para ello tendrán que luchar codo a codo con centauros, enanos, minotauros, águilas gigantes y ratones espadachines para salvar al reino de la crueldad del rey Miraz y, ya de paso, desarrollar un camino hacia la madurez.

El problema es que dos horas y media de película se hacen bastante interminables. Salvando la primera parte, en la que los chavales llegan a Narnia para descubrir que el tiempo ha pasado inexorable y que nada es ya como ellos recordaban, la película se sume a continuación en una batalla eterna que recuerda en uno de cada cuatro fotogramas a “El señor de los anillos”.

Así, la película se va desinflando poco a poco durante el metraje hasta llegar a un final herido ya de muerte. La aparición del todopoderoso león Aslan en los últimos momentos, para solucionarlo todo, no tiene ninguna explicación. Un ser caprichoso, con razones insondables y no del todo justo, pone la balanza del lado de los buenos dejando al espectador mirando con cara embobada y sin acabar de entender la moraleja con sabor conservador.

No he leído el libro en este caso y no sé si han sido fieles a la idea del autor, pero si es así, se me han quitado muchas de las ganas que tenía de acabar la heptalogía literaria. Aslam me ha caído gordo, mira tú por donde.

A veces me planteo si ciertos trabajadores de la industria cinematográfica están pagados por la competencia para hacer las cosas mal adrede. Gran parte de las veces se trata de los que diseñan los cartelones de las películas, como muy acertadamente comenta Ana en este post, pero sin duda, los que más se empeñan en provocar la aversión del potencial espectador para que no pise la sala de cine, son los que traducen los títulos de las películas.

Habíamos visto casi de todo. Los que hilan una combinación con un “letal” o un “fatal” tras cualquier otra palabra para dar la impresión de película de la tarde de Antena 3 (“Arma fatal” en vez de “Hot fuzz” o “Inmersión letal” en vez de “Into the blue”), los que se saltan a la torera lo que pueda opinar el creador sobre cómo llamar a su película y ponen los que ellos creen acertado (“Olvídate de mí” en vez de “Eternal sunshine of the spotless mind”) o los que optan por la lírica en vez de dejar un título simple que encima no tiene por qué traducirse (“El crepúsculo de los dioses” en vez de “Sunset boulevard”). Pero ésta es la primera vez que veo (corríjanme los cinéfilos) que alguien traduce un título en ingles, que parodia un género, por otro, también en inglés, que parodia el mismo género pero con mucha menos gracia y, como decía, dejando la impresión de peli mala donde las haya. Es el caso de “Shaun of the dead”, comedia británica que homenajea con mucha guasa el género de zombies, que parte del título del film de 1978 “Dawn of the dead” (“Amanecer de los muertos”) del zombilófilo George A. Romero y que es traducido por estos lares como “Zombies party”.

En fin, tras la rallada inicial que os he metido (si ya es difícil aguantarme cuando hablo de la peli en sí, ahora que me meto a analizar títulos habré perdido medio aforo), pasemos al meollo del asunto.

El director Edgar Wright y el cómico Simon Pegg son bastante conocidos en las islas británicas por la serie “Spaced”, que narra las alocadas andanzas de un dibujante de cómics y una escritora que tratan de decidir qué hacer con sus vidas y buscan nuevas y surrealistas formas de perder el tiempo inútilmente.

Con este currículo en su haber, no podía pasar mucho tiempo hasta que dieran el salto a la pantalla grande y ha sido con dos parodias a dos géneros muy concretos, el de la clásica “buddy movie” del cine de polis con “Arma fatal” y, como he dicho ya un montón de veces en el artículo, el género de zombies con la película que hoy comento.

Ha sido un placer descubrir esta obra que me pasó totalmente desapercibida en las pantallas de cine. Una locura que mezcla guiños a multitud de películas del cine de terror desde el más puro humor británico. Con diálogos memorables, una pareja protagonista surrealista, una pizca de comedia romántica y una producción intachable.

Uno no puede más que sentarse a ver este tipo de comedias que nos vienen desde el otro lado del Canal de la Mancha y preguntarse por qué las islas están tan plagadas de cómicos brillantes, directores talentosos y actores profundos. Supongo que el que la mayor parte del tiempo esté lloviendo provoca que la gente se quede en casa tranquilamente empapándose de buen cine.

Sé lo que estáis pensando los que habéis aguantado hasta el final del post: ¿más de media docena de párrafos y este tío tan sólo le dedica uno a la película? Esto es lo que os pasa por leer a un crítico de todo a 100. Quien quiera profundidad, que se compre el “Cahiers du cinema”.

En estos días ha saltado a la palestra una iniciativa tomada por una serie personalidades reconocidas de la cultura que han firmado un manifiesto a favor de la defensa del castellano, que ha sido seguida por una curiosa campaña de las juventudes del PP con algunos carteles llamativos.

Aunque parece que algunos de los que vieron como una buena iniciativa el sugerir algunas medidas para defender (no tengo muy claro de quién, pero bueno) la lengua castellana, se han bajado del carro aduciendo a que todo empieza a tener tintes demasiado políticos, extremistas y malintencionados, como el poeta Antonio Gamoneda que expone su malestar en este artículo.

Y es que lo que empezó siendo un texto en defensa de un idioma (sigo buscando, pero no encuentro a los que lo atacan), ha acabado por ser un eslogan en detrimento del resto de lenguas que enriquecen nuestro país, gracias a los que se han puesto en la cabeza visible del manifiesto. Son los que ven peligros tanto en los que tenemos la suerte de haber mamado más de una lengua en nuestra infancia, como en los que no adoptan su modelo de familia, como en los que no comparten su defensa de que los nacidos en una determinada familia cobren de las arcas del estado de por vida, como en los que prefieren tener el derecho a finalizar su trayecto en este mundo si las condiciones de vida traen más dolor que beneficios. Es duro vivir rodeado de tanto miedo, girando la cabeza, temerosos, a cada paso, por si alguien viene a pisotearles su burbuja impermeable.

El caso es que los que han ideado estos carteles que ponen en imágenes su visión de la sagrada lucha castellanoparlante, aducen que los niños gallegos, catalanes o vascos, corren el peligro de no poder comunicarse con el resto de compañeros de la geografía si en el colegio les enseñan matemáticas, filosofía o educación para la ciudadanía (uy no, esto tampoco) en una lengua co-oficial. Esto lo piensan aunque vivamos en un mundo tan globalizado y tan unido por la red de redes en el que los niños de 7 años chapurrean inglés y absorben información como gigantescas esponjas. Probablemente, los mismos que defienden el castellano como única lengua obligatoria en la enseñanza sean los que mandan a sus hijos a colegios bilingües para que se relacionen sin problemas en las altas esferas europeas sin temer que el uso continuado del francés o del inglés merme su capacidad para comunicarse en castellano.

Si estos cruzados lingüísticos se pasearan por los colegios de las comunidades autónomas que tienen la suerte de contar con una cultura tan rica que incluye un idioma más, se darían cuenta de que los niños no han perdido la capacidad de expresarse en la lengua de Cervantes y es que no es el todopoderoso castellano el que tiene que ser defendido, pues nadie le ataca, sino las lenguas minoritarias las que tendrían que ser cuidadas y mimadas para no perder un rasgo tan propio y tan rico de nuestro país, como es el presumir de un gran número de culturas ricas y ancestrales a lo largo y ancho de nuestra tierra. Como leí alguna vez en algún sitio, es igual de injusto tratar de forma diferente cosas iguales, como tratar de igual forma cosas distintas.

También se aferran a las dificultades que tienen los funcionarios para buscar trabajo en estas comunidades babelianas, teniendo que aprender unas lenguas tan innecesarias y anecdóticas para estar frente a una ventanilla tratando con parroquianos que prefieren expresarse con el idioma con el que han crecido (desconsiderados) o para rellenar formularios ininteligibles. Y es que es bastante curioso que los mismos que se empeñan en defender la cultura vean la riqueza lingüística como una afrenta a la misma y no como una posibilidad de aprender de nuestros propios vecinos.

En medio de estas opiniones con cierto fundamento (no compartido por mí, pero con cierto fundamento al fin y al cabo) también nos topamos con los hooligans idiomáticos, aquellos que no sólo defienden el castellano sino que estarían encantados de la erradicación de los que denominan dialectos del idioma único del país o aberraciones de un castellano mal pronunciado. En este grupo se deben situar los relaciones públicas de la cadena Springfield, que tras felicitar a un gallego el día de su cumpleaños con una postal en portugués, cuando fueron puestos en conocimiento de su error, respondieron que tal despiste respondía a que “ellos no sabían gallego, pues estaban en España”. Eso sí, debían tener algún primo portugués, ya que éste sí lo conocían y dominaban. No contentos con eso, en una segunda carta, respondiendo al apunte en el que el que suponemos ya ex consumidor de la cadena les recordaba que el gallego, el catalán y el euskera son reconocidos en nuestro país, le contestaban que ya sabían perfectamente que “eran dialectos del castellano”. Y es que a veces la gente es mala y malmete para hacer daño, ¿eh?

Que pronto se ha olvidado la unión sin discrepancias y repleta de entendimiento que nos trajo la victoria en la Eurocopa.